Hard Vs. Rock

Cynic - Traced In Air (2008)

2010-02-20T20:21:00.000-08:00

"Traced in Air" ostentou o título de um dos álbuns mais aguardados da história do Heavy Metal. O motivo para tamanha expectativa é simples: "Focus", estréia e único trabalho (até então) desse grupo norte-americano natural de Miami chegou às lojas em 13 de junho de 1993 e foi aclamado pela crítica e pelos fãs, e hoje é considerado um dos maiores clássicos da música pesada e um dos primeiros discos a explorar, com extrema maestria, a união entre a violência e a brutalidade do Death Metal com a exuberância técnica e os intricados arranjos do progressivos.

Mas, para decepção geral, o grupo se dissolveu durante o processo de composição do que seria o seu segundo disco, com a relação entre os seus integrantes ficando insustentável. Passados longos quatorze anos, a banda se reuniu para um giro pela Europa em 2007 e, animados com a receptividade do público, resolveram entrar em estúdio para gravar o seu tão aguardado segundo disco.

O line-up atual conta com os integrantes originais Paul Masvidal (vocal e guitarra) e Sean Reinert (bateria), agora com a companhia de Sean Malone (baixo) e Tymon Kruidenier (guitarra).

Musicalmente, o som do quarteto, como era de se esperar, evoluiu muito, mas manteve as características que fizeram a fama de "Focus", como a alquimia entre gêneros que vão do já citado metal ao rock, passando pelo jazz e o fusion. As passagens instrumentais constróem diferentes e variadas texturas sonoras, resultando em uma música muito rica e repleta de detalhes, com cada elemento se encaixando com perfeição em seu devido lugar.

A voz de Paul Masvidal está mais carregada de sentimentos do que nunca, transmitindo sensações que nos levam de um extremo ao outro, da raiva a alegria, da dor ao êxtase. Sua guitarra soa limpa até em excesso, o que faz com certas partes de algumas composições transmitam, de forma intencional, uma certa frieza ao ouvinte.

O grande destaque de "Traced in Air", para mim, é a bateria de Sean Reinert. Tocando absurdamente, Reinert espanta por sua técnica, não ficando restrito aos limites do que a banda se propõe a explorar, mas trazendo elementos de fora para tornar o som do grupo ainda mais complexo e cativante. Ele é o contraponto perfeito de Masvidal. Se a guitarra de Paul é a mente do Cynic, a bateria de Sean é o coração pulsante do grupo.

São oito faixas que trazem um Heavy Metal muito diferenciado, extremamente técnico e hipnótico, composto com muito detalhismo e cuidado. Uma pequena obra-prima da música pesada, que faz juz ao passado dessa ótima banda.

Grande álbum! Só espero que o próximo não leve outros quinze anos para sair...

Link? Comente.

Animal Collective - Fall Be Kind (2009)

2010-02-16T09:51:00.000-08:00

Na minha busca por bandas menos guitar-based, tenho encontrado algumas pérolas bastante interessantes. Esse EP do Animal Collective eu baixei na base da roleta-russa, depois de ler alguns bons comentários. Eu diria que pelo menos 5 faixas deste disco são excelentes. A primeira, "Graze", começa com voz e piano e talvez algum sintetizador ao fundo, muito lembrando trechos do primeiro disco do Guillemots, para descambar numa feliz melodia à base de panflute, transformando a porra toda numa festa andina. Comecei a pensar que os caras eram uns Vampire Weekend wannabes, mas essa ideia passou rápido.

A segunda faixa, "What Would I Want? Sky" é o ponto alto daqui. A música recebeu a improvável nota 10/10 do site Pitchfork (apenas a segunda vez que isso acontece). E faz por merecer, por tratar-se uma bela melodia e excelente letra. Após uma tempestuosa, porém etérea, introdução, a música acalma, com um vocal ao fundo repetindo a linha "whoa I walk, sky" (sampleado da música "Unbroken Chain", do Grateful Dead. Foi o primeiro sample autorizado de uma música deles), enquanto o vocalista Avey Tare toma a frente com competência. Mais uma daquelas músicas pop que entram pra história.

Segue, então, a melancólica "Bleed", que é quase à capela, com os vocais alternados entre Tare e o restante da banda. "On A Highway" tem jeitão de acidente de madrugada com flashes de vida, misturado com batuques meio tribais. "I Think I Can" fecha o EP com um excelente trabalho vocal da banda.

01. Graze
02. What Would I Want? Sky
03. Bleed
04. On A Highway
05. I Think I Can

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Alice in Chains - Facelift (1990)

2010-02-12T07:29:00.000-08:00

O Alice in Chains é o exemplo da banda certa no lugar errado. Acaso, destino... Seja como for, eles tiveram a sorte (ou azar) de estar em Seatlle quando o Nirvana e a trupe grunge tiveram todos os holofotes voltados para eles. E acabaram, é claro, sendo taxados de grunges. Fato que talvez não seja todo verdadeiro, pois além das influências vindas do Heavy Metal e do Hard Rock, o Alice in Chains possui um som muito particular. E sabe como é, nem todo mundo que tocava em Seatlle era grunge, assim como nem todo metaleiro é insensível.

Olhando Facelift - primeiro disco da banda - hoje, depois de mais de dez anos de seu lançamento, fica clara que as influências do heavy metal do Black Sabbath e do hard-rock são muito mais acentuadas do que enxergamos em "Bleach", do Nirvana, por exemplo. Logo, é difícil classificar a banda como sendo grunge, principalmente depois de acompanhar bandas como Megadeath, Van Halen, Slayer e Anthrax em algumas turnês. Entretanto, logo após a estréia do clipe de "Man in the box" na Mtv em meio a febre grunge, e a gravação de "SAP" - um EP com quase todas as faixas acústicas e com participações de Chris Cornell(Soundgarden) e Mark Arm (Mudhoney) - a banda se enquadrou, historicamente, entre o movimento que marcou a música no início dos anos noventa.

O ponto é que, mesmo com esse enquadramento, ao ouvir Facelift temos a impressão inegável de que sim, talvez exista alguma coisa grunge ali, mas, definitivamente, os rumos musicais do Alice in Chains são outros. Logo na primeira faixa do disco ("We Die Young") vemos Tony Iommi por detrás do riff de Jerry Cantrell, além dos vocais marcantes de Layne Staley, características essas que permeiam todo o trabalho do grupo; na seqüência está a falada "Man in the Box", riff mais do que conhecido por quem ouvia rock pelos idos anos noventa, e talvez a música mais inclassificável da época: não é pesada o suficiente para ser considerada heavy metal, em contrapartida, pesada demais para colocá-la ao lado de outras canções marcantes do grunge. Esse talvez seja o ponto mais marcante do Alice in Chains, é extremamente complicado definir o som deles.

Outra característica forte de Facelift são as baladas que, no mínimo, fazem com que um arrepio suba coluna acima. Entre essas estão, "Bleed to Freak", "I can't remember", "Confusion" e "Love, hate, love", onde arranjos lentos e pesados fazem a cama para letras como "You told me I'm the only one/Sweet little angel you should have run/Lying, crying, dying to leave/Innocence creates my hell"("Love, hate, love"), ou "These stand for me/Name your god and bleed the freak/I like to see/How you all would bleed for me"("Bleed to Freak"). Isso sem mencionar os vocais de Staley que dão às músicas o complemento exato para a criação dessa atmosfera sombria.

E ainda há faixas improváveis como "I know somethin (Bout you), que não seria exagero dizer que é possível encontrar alguma coisa de Red Hot Chilli Peppers por ali, ou "Put you down" que foge um pouco ao estilo visto nas primeiras faixas do disco.

Ou seja, de uma maneira geral, Facelift é um disco essencial para quem gosta de música. Quase tudo que seria visto nos próximos trabalhos do Alice in Chains - "Dirt" (1992) e "Alice in Chains" (1995) - estão lá, talvez de maneira pouco desenvolvida, mas inegavelmente estão lá. E só para lembrar, depois de "Alice in Chains" de 1995, a banda lançou "Alice in Chains - Unplugged Mtv" em 1996, "Nothing safe" (coletânea) em 1999, "Live" em 2000 e "Alice in Chains - Greatest Hits" em 2001. A banda terminou oficialmente em 2002, com a morte do vocalista Layne Staley devido a uma overdose. A banda voltou em 2009, com novo vocalista William Duvall, mantendo o bom nível dos trabalhos anteriores da banda.

Ps. A capa do CD tem a ver com carnaval, então... Não?

Novembers Doom - The Pale Haunt Departure (2005)

2010-01-29T17:36:00.000-08:00

2005 marca o ano especial pra mim. Primeiro porque muitos discos extremamente interessantes foram lançados. Segundo, porque foi o ano que comecei a me aventurar no mundo das reviews de CDs de uma forma mais profissional, mandando meu material para sites especializados, e obtendo algumas boas respostas.

2005 foi o ano que eu conheci o Novembers Doom e Paul Kuhr, seu vocalista. Se você não conhece esse grupo, eles desenvolvem uma vertente do Metal chamada "Death/Doom". Riffs característicos do Death Metal, rasgados, cortantes, potentes, com a melodia muitas vezes arrastada do Doom Metal, com vocais lentos e aflitos. É um resumo grosseiro. Afinal, o Novembers Doom se caracterizou por sair da mesmice que virou esse sub-gênero, que, de uma hora pra outra, recebeu uma enxurada de bandas mais-do-mesmo. A técnica do guitarrista Lawrence Roberts, que deve ter o maior cabelo do Metal é impressionante, intercalando riffs matadores, com levadas quase que de baladas, numa mesma música.

O vocal de Paul Kuhr é algo de assombroso. Vocalista extremamente técnico, passeia entre o gutural e o límpido e cristalino com total desenvoltura.Conseguindo repetir exatamente o desempenho ao vivo do desempenho de estúdio, Kuhr consegue ter um dos vocais mais agressivos da cena, e mesmo assim qualquer pessoa que escuta consegue entender cada sílaba pronunciada por esse monstro. 2005 começou a demonstrar que eles não seriam apenas outra banda.

O lançamento de The Pale Haun t Departure marcou o começo de uma nova fase para a banda. Apesar dos excelentes lançamentos anteriores, em termos de composições e de harmonia, esse disco superou tudo que o grupo tinha feito até então. Letras densas, introspectivas, com destaque para "Dark World Burden", com um refrão grudento:

I live in a dark world, where no light shines through.
I carry this burden with every step I take.
Thrust myself into a new days end.
And focus on the hour glass, to help pass the time.

A balança entre a agressividade do Death e a melancolia extrema do Doom alcançou seu equilíbrio perfeito no Novembers Doom. Paulo Kuhr consegue mostrar como produzir um disco de cunho extremamente pessoal, mas perfeitamente acessível, recheado de técnica e bom gosto. A banda, que entrou para o hall dos gigantes, lançou mais dois discos depois deste, igualmente ou mais espetaculares ainda, que aparecerão por aqui mais cedo ou mais tarde.

Hail, Novembers Doom!

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Silverchair - Frogstomp (1995)

2010-01-23T19:33:00.000-08:00

Momento nostalgia. Fundo do baú. Túnel do tempo. Whatever. Tinha 15 anos quando pus as mãos no primeiro disco do Silverchair, comprado na antológica Vinil por meros 24 reais (e era importado). E pus as mãos com 3 anos de atraso em relação ao lançamento do disco, quando os 3 membros da banda também tinham meros 15 anos. Na verdade, eu já tinha ouvido falar do Silverchair em 96 ou 97, quando li uma nota sobre eles na Showbizz, tecendo comparações com a minha banda preferida da época, o Pearl Jam. Mas como o acesso à música na década passada era um tanto mais precário que hoje, não pude fazer uma comparação do it yourself. Mas a nota falava sobre a semelhança entre as bandas, tanto no som grunge como nas letras tristes de Daniel Johns e Eddie Vedder. Isso atiçou bastante minha curiosidade, mas só pude ouvir a primeira música deles em 97 mesmo, quando vi, por acaso, o clipe de "Tomorrow" na MTV(quando esta era boa). Fiquei emocionado com o peso, a estrutura verso-leve-refrão-pesado tão característica do grunge - que àquela altura estava praticamente morto, com o fim do Soundgarden e o estado lisérgico de Layne Staley - e com o alcance vocal do então garoto espinhento Daniel. Convenhamos, é uma música do caralho.

Mas como uma gravadora resolve apostar em 3 pirralhos australianos metidos a gente grande? Simples: ganhando um concurso chamado Pick Me, promovido por uma TV (SBS) e uma rádio (Triple J) australiana. Eles concorreram com a mesma "Tomorrow" e, como prêmio, a rádio regravou a canção e a ABC produziu um vídeo para os até então chamados Innocent Criminals. No momento do lançamento do single, foi dada à banda a opção de trocar de nome. O Silverchair pode ter vindo a) de uma lista fornecida pelo seu empresário; b) de um livro de Nárnia chamado "The Silver Chair" ou c) da mistura de "Berlin Chair" do You Am I com "Sliver" do Nirvana.

Qualquer coisa, menos burra, a Sony logo tratou de aliciar os meninos com um contrato para 3 álbuns. Aquele single de "Tomorrow" foi lançado em agosto de 94, ficando seis semanas como #1 na ARIA, a Billboard australiana. Em 95, "Tomorrow" - já uma puta velha, de tão rodada - foi re-regravada e ganhou um novo vídeo para o exigente mercado americano. Resultado? A música foi a mais executada nas rádios de rock americanas nesse ano.

Senhores, então temos um fenômeno. Apressadamente, porque o tempo urge, eles entraram em estúdio para gravar esse Frogstomp em míseros 9 dias. Isso, nove dias. E eles, repito, tinham 15 anos e ainda trocavam partituras por cadernos repletos de fórmulas químicas e redações, pois insistiam em ir à escola. E em tão tenra idade, é de surpreender o conteúdo melancólico das suas letras e composição redonda das músicas. Toda a raiva, a angústia e o queijo adolescentes estão presentes nas onze faixas. As comparações com o Pearl Jam deixaram os caras chateados, pois eles consideravam como influência o Black Sabbath, ao invés dos fab-five de Seattle. Aliás, sobre o Frogstomp, Daniel Johns recentemente afirmou detestá-lo, assim como seu sucessor, Freak Show, dizendo que ambos foram escritos por sua "banda de ginásio". "Eu não considero que os dois primeiros álbuns eram Silverchair. Eu os ouço e faço 'que bonitinho!', especialmente o primeiro", disse ele.

Bonitinho ou não, o disco alcançou o Top 10 da Billboard, transformando o Silverchair na primeira banda australiano a conseguir tal feito desde o INXS, vendendo 2.500.000 de cópias mundo afora (uma ainda é minha). Não tenho certeza, mas o som desse disco costuma ser mais alto que os demais que possuo. A distorção das guitarras e bateria aperreada contribuem bastante pra isso, desde a introdução no baixo em "Israel's Son", que depois descamba para um Johns de voz distorcida e pegada arrastada, até chegar ao final acelerado.

"Pure Massacre" também teve clipe e também virou hit, com seu início percussivo. Destaque também para a balada "Shade" e para a instrumental-sensacional "Madman". O disco encerra-se de forma até alegre, com a rapidinha "Findaway", dando números finais ao álbum. Deve ter sido a música composta em meio ao champagne do sucesso.

01. Israel's Son
02. Tomorrow
03. Faultline
04. Pure Massacre
05. Shade
06. Leave Me Now
07. Suicidal Dream
08. Madman
09. Undecided
10. Cicada
11. Findaway

Para baixar, vá comentar.

Iced Earth - Horror Show (2001)

2010-01-18T19:21:00.000-08:00

Era 2001, e a relação do Iced Earth com a renomada gravador Century Media estava pra lá de desgastada. O egocêntrico guitarrista e "dono" do Iced, John Schaffer, estava se sentindo pressionado pelos pedidos da gravador de gravar um último álbum no contrato que estava se encerrado. Schaffer, irritado pelos pedidos, alegando "hiato criativo", resolveu produzir um CD até então inusitado: Um álbum conceitual, que tinha como temática filmes clássicos de horror, como Frankestein, Conde Drácula, O Médico e o Monstro, o Fantasma da Ópera, entre outros. Nascia o Horror Show.

Com um processo de gravação rápido, o CD, que poderia se tornar um fiasco, por ter sido feito "de qualquer jeito", virou na verdade um dos marcos na carreira da banda. É oito ou oitenta. Ou você o ama, ou o detesta. Mas o que é inegável é que, dois anos após o épico Alive In Athens, já resenhado aqui, a banda ainda estava em seu ápice técnico.

As paletadas furiosas de Schaffer na introdução de Wolf, seguido pelo urro ensurdecedor de Barlow, na música mais alucinente do CD é apenas uma amostra do que o ouvinte pode esperar.

Já Ghost of Freedom tem um quê de balada, de um hit mais acessível para quem não curte muito porradaria, terminando com um coro de orquestra, com os dizeres: Don't tread on me...live free or die!!!
To our fallen brothers
You died to keep us free
To our fallen brothers
Who gave us liberty!

Essa passagem deixa uma coisa clara: Tanto nessa música como nas outras, as composições são extremamente criativas e competentes, não soando infantis nem toscas. Barllow, que nessa época era o melhor vocalista do Heavy Metal, auxiliou Schaffer nas pesquisas, e mostrou que a parceria dos dois era excelente, antes do guitarrista ter um surto egocêntrico e quase que expulsar o vocalista da banda.

Jekyll e Hyde, pra mim a melhor música do CD, mostra claramente o diálogo esquizofrênico entre o médico e o monstro, bem como a dualidade e luta que se travava dentro da psiquê do primeiro. Tudo regado a solos matadores e riffs cortantes, sem frescurinha ou viadagens. Destaque para a bateria de Richard Christy, um dos 380 bateristas que passaram pelo Iced.

Um CDzasso, que está no topo da minha lista.

Vai nos comentários e cata ele.

Tracklist:
1. Wolf (Inspirado no filme The Wolf Man)
2. Damien (Inspirado na série de filmes The Omen)
3. Jack (Inspirado em Jack, o Estripador)
4. Ghost of Freedom (Inspirado no filme O Patriota)
5. Im-Ho-Tep (Pharao's Curse) (Inspirado no filme A Múmia)
6. Jekyll & Hyde (Inspirado no livro The Strange Case of Dr. Jekyll & Mr. Hyde)
7. Dragon's Child (Inspirado no filme Creature Of Black Lagoon)
8. Transylvania
9. Frankestein (Inspirado no livro homônimo)
10. Drácula (Inspirado no livro homônimo)
11. The Phantom Opera Ghost (Inspirado na novela O Fantasma da Ópera)

The Flaming Lips, Stardeath And White Dwarfs with Henry Rollins And Peaches - The Dark Side Of The Moon (2010)

2010-01-15T19:11:00.000-08:00

O petardo já vinha sendo anunciado há tempos. Eu, sinceramente, já vi bandas gravarem covers de uma ou outra música e encaixar em seus discos. Mas não lembro de nenhuma que tenha regravado um álbum inteiro. E não é qualquer álbum. É aquele intocável, o que muitos consideram o maior da história do rock. É preciso responsabilidade. Banda? The Flaming Lips.

Tudo bem, é minha atual banda preferida (é assim mesmo. Vai, Mars Volta), mas não é uma bandinha qualquer. Os discos deles falam por si só. Já rolava uma tendência para que isso ocorresse, depois que eles lançaram o "Late Night Tales", um álbum recheado por músicas/bandas que influenciaram os Lips. Mas não eram versões deles, apenas as originais (com exceção de "Seven Nation Army", do White Stripes).

Como disse um amigo meu no trabalho: o mérito desse disco é que eles regravaram o Pink Floyd sem parecer o Pink Floyd. E a ideia do cover é essa, mostrar a música copiada sob uma luz diferente, com a cara da banda copiadora. E o resultado, de fato, é surpreendente. E eu não consigo imaginar outra banda capaz de realizar esse feito de forma tão criativa. Até pensei no Tool, mas acho que eles são tão pragmáticos, tão cartesianos, que não ia era mudar nada. Os Lips são inquietos e tem um toque muito pessoal. Delícia de cover. Histórico.

A tracklist, pelamor, vocês já devem saber de cor. Visitem os comentários pra saber do que eu tô falando.

Amorphis - Eclipse (2006)

2010-01-15T17:44:00.000-08:00

Responsabilidade grande fazer essa resenha. Afinal, é da minha banda favorita. Banda essa que possui o melhor vocalista da atualidade, e detem, com certeza, o melhor conjunto entre todas as bandas de Metal. O Amorphis é uma banda finlandesa, que no começo de sua carreira (do início dos anos 1990 até 2003) tocou um som soturno, uma mistura de Death/Doom Metal, com algumas pitadas de progressivo. Sempre figurou no hall de bandas competentes, fazendo discos excelentes, como o The Karelian Isthmus. Mas nunca havia sido enquadrada no top-top.

A nova era da banda começou em 2005, com a entrada do vocalista Tomi Joutsen. O outro vocalista, que também fora um dos fundadores da banda, Pasi Koskinen, saiu em 2003, e a banda entrou em um hiato de 2 anos a procura de uma nova voz para a banda. Com a escolha, a banda mudou de cara, e a prova de que a espera valeu a pena se deu quando saiu o primeiro CD de uma trilogia que se anunciava. Esse CD é o Eclipse. Qualquer simbologia do título e capa do disco com o momento da banda naquela situação não foi mera coincidência.

O Eclipse apresentou uma direção nova no som do Amorphis. O clima soturno e obscuro ainda era identificável, mas não como antes. As guitarras arrastadas e as músicas densas foram lentamente se transformando em um som mais melódico, mais mesclado com solos de guitarra e buscando uma maior fusão com a música folclórica finlandesa.

O novo vocalista foi uma peça primordial para o novo direcionamento musical da banda. Com uma variação de timbres impressionante, Tomi consegue ir do gutural ao melódico em segundos, e o que está presente nesse disco é apenas o início do progresso que o mesmo deteve em sua técnica vocal.

Músicas como "Two Moons", "Born From Fire" mostram como ele consegue ser um vocalista extremamente potente, sem perder em nenhum momento a capacidade de cantar de forma clara, tanto nos momentos de guturais, quanto nos fantásticos momentos melódicos. Sem contar com "The Smoke" que, na minha opinião, é a melhor música até agora, nessa nova fase do Amorphis, que depois do Eclipse, já lançou mais dois discos, igualmente esplêndidos, que serão resenhados aqui mais adiante.

A banda ressurgiu, e o melhor: Com identidade. Tomi Joutsen é, desde 2006, o melhor vocalista de todas as vertentes do Metal, e o Amorphis tornou-se a banda mais ascendente exatamente nesse mesmo período. Um gigante.

Link nos comentários.

Survivor - Eye Of The Tiger (1982)

2010-01-08T22:58:00.000-08:00

Essa semana eu revi os três primeiros filmes da série Rocky. Portanto, é impossível falar de outro disco, e, consequentemente, de outro hit. Não sou grande apreciador de Hard Rock, mas isso aqui ultrapassa qualquer convenção. Então, vamos lá.

Ta! Ta-ta-ta! Ta-ta-ta! Ta-ta-tannnnnnnn! Sim, meus amigos, o mega hit dos anos 80 e música de abertura do Boxe e do inesquecível Rocky III, está aqui nesse genial disco de 1982, que mudaria definitivamente os padrões de som dos anos 80 e levaria o Survivor ao estrelato. Eye Of The Tiger é sem sombra de dúvida, a obra-prima da era Dave Bickler, e não é pra menos.

Round I: Soa o gongo e começa o embate: "Eye Of The Tiger" chega destruindo e aplicando uma ótima direita no oponente, com um impacto vibrante e impressionante. O adversário logo revida com um ótimo gancho de "Feels Like Love", com uma batida contagiante, e um lindo solo, deixando o adversário preocupado! O adversário segura as pontas como pode em "Hesitation Dance", diminuindo o ritmo de seus ataques e se defendendo mais. O solo de guitarra impecável coloca o oponente contra as cordas! Soa o gongo! Fim do primeiro round!

Round II: Os adversários reiniciam apenas aquecendo com "The One That Really Matters", até aqui, ninguém é de ninguém. A luta fica na mesma, com a balada "I'm Not That Man Anymore", parece que ninguém quer tomar a iniciativa, mas o adversário manda um solo de guitarra que esquenta o clima um pouco, e prepara terreno para a ótima "Children Of The Night", esquentando o embate novamente. Agora ambos já estão se olhando e procurando falhas na defesa, atacando mais. Os coros de backing fazem a adrenalina subir, e mais uma vez um solo matador esquenta o clima novamente. Soa novamente o gongo.

Round III: Os adversários parecem que amoleceram de novo, pois a lenta balada "Ever Since The World Began" pode ser bonita, mas não decola, deixando tudo na mesma. Porém, chegou o momento da verdade, parece que dessa vez, ou vai ou racha! O adversário aplica um forte gancho em "American Heartbeat", deixando o oponente desestabilizado e sem noção, parece que está tudo ganho! Os sintentizadores tem uma constante paricipação nesse momento decisivo, e colocam todo seu potencial a favor da vitória. Porém o adversário não está tão perdido quanto se pensa e reage numa última tentativa com "Silver Girl", uma cadência country misturada com pop e solos de guitarras muito bem colocados.

Quem sai ganhando nessa, é o ouvinte, que tem em mãos um ótimo registro dessa formidável banda dos anos 80. Fim de combate, e não há perdedores, só ganhadores!

Um marco.

Link + senha nos comentários.

Mestre Ambrósio - Fuá Na Casa De Cabral (1998)

2010-01-07T18:01:00.000-08:00

Nada como uma moda que vem, faz seu estrago e passa. O manguebit dos anos 90 criou em mim grande preconceito em relação às bandas de Pernambuco, pois era tudo o que se ouvia na época, principalmente após a morte de Chico Science. O Mestre Ambrósio pegou uma bela carona na onda do movimento, mas muito mais focado na mistura do regional com o eletrônico e o rock que o contrário. Era uma síntese da música que se encontrava somente nos guetos da zona da mata do estado. E ser regionalista nessa época era um ótimo negócio. Digo isso sem querer tirar a legitimidade da proposta da banda, que é excelente em todos os sentidos. Aconteceu que eles foram simplesmente a banda certa na hora certa.

Posso dizer que esse disco é perfeito, um dos melhores da música brasileira de todos os tempos fácil. Tão bem reconhecido que o New York Times o colocou no Top Ten alternativo da época. E faz por merecer, tecnica e conceitualmente. Músicos competentes, embebidos nos ritmos da região, como o maracatu, coco, ciranda, baião, samba e forró, letras inteligentes e acima da média e toques leves da música moderna, com guitarras ecoando no fundo das músicas.

"Os Cabôco" tem todo um clima de fuga em disparada no meio da noite. "Sêmen" tem uma letra linda e melodia idem. A faixa-título deixa seus pés inquietos, com um forró de primeira qualidade. E et cetera, et cetera, et cetera. Quem tinha algum preconceito com a música produzida aqui, legitimamente aqui, é hora de perder. Não é parafernália mangue desenfreada falando de antenas. É música de qualidade, rica, lírica, com clima, substância e ambiência.

01. Trupe (Queimar Carvão)

02. Os Cabôco

03. Fuá Na Casa De Cabral

04. Sêmen

05. Vó Cabocla

06. Pareia

07. Esperança (Na Mata Eu Tenho)

08. Pescador

09. Chamá Maria

10. Pé-De-Calçada

11. Usina (Tango No Mango)

12. Se Zé Limeira Sambasse Maracatu

13. Pedra De Fogo

14. Maria Clara

Link nos comentários, provavelmente.

Alcest - Souvenirs D'Un Autre Monde (2007)

2010-01-04T19:08:00.000-08:00

Antes de tudo e qualquer coisa, gostaria de deixar claro: nunca ouvi nada tão triste e melancólico em minha vida.

Acreditava que álbuns como Dammation do Opeth e The Acoustic Verses do Green Carnation fossem insuperáveis nos quesitos citados, mas sem dúvidas esses "prêmios" repasso para o álbum Souvenirs d’un Autre Monde da banda francesa Alcest.

O Alcest é uma daquelas bandas formadas apenas por uma pessoa (one-man band) tendo como idealizador no caso Neige, que já integrou bandas de Black Metal como o Peste Noire e Mortifera.

Esse currículo Black Metal de Neige praticamente em nada influencia a sonoridade do Alcest. Podia-se definir isto aqui como Melancholic Metal, mas acho que rotular não vem ao caso, aqui encontra-se um Doom Metal com algo que parece ter sido retirado do primeiro álbum do Radiohead.

Sei que isso soou estranho, mas foi o que consegui elaborar para tentar relatar o que ouvi em Souvenirs d’un Autre Monde. Destaque total para os vocais, que são completamente limpos e muito bonitos, que dão uma sensibilidade e emoção únicas para cada faixa deste álbum. Os arranjos de violão e de teclado deixam as longas composições muito bonitas e fazem com que "Souvenirs d’un Autre Monde" e Ciel Errant se destaquem.

As letras cantadas em francês (caso você seja igual a mim e não saiba nada de Francês, as letras podem ser achadas em Inglês na Internet) falam sobre tristezas e decepções e algumas soam até como uma auto-ajuda. As músicas podem ser remetidas facilmente a lugares abstratos e bucólicos. Isso mesmo, viagem pura.

Um CD que pode mexer forte com os sentimentos de quem o ouvir, uma trilha sonora agonizante que parece esmorecer faixa-a-faixa.

Link nos comentários.

The Walkmen - You & Me (2008)

2009-12-29T08:42:00.001-08:00

Mais uma bandinha interessante que me apareceu essa semana, enquanto via um intervalo comercial da MTV. Vislumbrei, meio que sem querer, 15s de uma música do The Walkmen, que nem lembro mais qual é. Mas o folk suave e uma voz rasgada que muito me lembrou uma mistura de Perry Farrell (Porno For Pyros e Jane's Addiction) com Bob Dylan captaram a minha atenção. Corri no YouTube e catei um clipe qualquer deles, dando de cara com "In The New Year", que mostra cenas de uma película antiga misturadas a imagens do vocalista Hamilton Leithauser em ação. Pra mim, é a melhor música do disco, pelo seu belo riff do refrão e vocal primoroso, vigoroso de Leithauser.

Comparando com outras bandas que tenho ouvido ultimamente, o Walkmen não tem muito de novo a oferecer. Band Of Horses, I Am Kloot e outras que agora não lembro também soam intimistas e distantes em suas músicas. Mas isso não tira um pingo de competência dos caras, que mantém uma regular soturnidade ao longo de todo o disco. Como diferencial, os caras preferem usar instrumentos antigos para dar mais autenticidade à forma que eles pretendem soar. Mas o grande destaque, de fato, é Leithauser e sua voz qualquer-coisa-menos-apática. Mas também vale destacar como o som da banda parece sair de um inferninho num subsolo qualquer sem que nunca tivesse havido público algum para assisti-los. O vazio preenche todo os espaço que há entre os instrumentos.

Essecialmente, um disco depressivo, nas letras e composições. Esse é pra ouvir trancado no quarto na virada do ano, pros que acham que 2010 vai ser uma merda tão grande quanto os demais anos passados. Claro que a faixa da virada é exatamente "In The New Year".

01. Donde Está La Playa
02. Flamingo (For Colbert)
03. On The Water
04. In The New Year
05. Seven Years Of Holiday (For Stretch)
06. Postcards From Tiny Islands
07. Red Moon
08. Canadian Girls
09. Four Provinces
10. Long Time Ahead Of Us
11. The Blue Route
12. New Country
13. I Lost You
14. If Only It Were True

Saca lá nos comentários.

Warrel Dane - Praises To The War Machine (2008)

2009-12-26T10:07:00.000-08:00

Warrel Dane já está beirando a casa dos 40 anos. E se lembrarmos que, desde 1981, as bandas Serpent's Knight, Sanctuary e o Nevermore (um dos gigantes do Heavy Metal), tiveram o cara no comando dos vocais, atestamos que a idade só tem dado mais poder e criatividade para o poderoso rapaz nascido em Seattle.

A idéia de lançar um CD solo já é antiga por parte de Warrel Dane. Antes de “This Godless Endeavor” (2005), último disco do Nevermore, o cabeludo com voz melosa e fã de uma boa cerveja já tinha em mente um disco só dele, com algo mais “light” do que o praticado na banda principal. Assim como o novo disco do Nevermore está sendo produzido, não exigindo ainda muito do vocalista, Dane teve tempo suficiente para trabalhar na nova empreitada. Chamou uns amigos e colocou a cabeça e as mãos para trabalhar.

Fabuloso letrista, Warrel Dane conseguiu, novamente, fazer poesia, brincar com as palavras e ao mesmo tempo colocá-las em um arranjo bem Heavy Metal. As músicas são bem mais leves em consideração ao trabalho no Nevermore, mas não deixam de ser atrativos para os fãs de longa data. Até mesmo devido à maior virtude de Warrel Dane, que é a impostação e a emoção com que ele canta. Dá para imaginar o cara na maior gritaria ao microfone, segurando o pedestal com as duas mãos, como se fosse a última coisa que ele pudesse fazer na vida.

“When We Pray”, música de abertura, já passa bem qual a mensagem que o vocalista quer mostrar neste primeiro cd solo. Refrão pegajoso, pegada tradicional do Heavy Metal e uma canção que gira em torno da letra e da forte interpretação do autor. Tudo meticulosamente dosado para que o ouvinte tenha a certeza que não está ouvindo mais um disco do Nevermore, mesmo que em marcha mais lenta.

Warrel Dane teve a brilhante idéia de chamar os guitarristas Jeff Loomis e James Murphy para incrementar algumas músicas. Jeff fica com o solo de “Messenger”, segunda música do disco, e dá para perceber que esta parte realmente lhe caiu bem. Já James Murphy, produtor que fez uma ponta em “This Godless Endeavor” fica com o solo de “The Day The Rats Went To War”, oitava faixa do disco, possuidora de um refrão bastante simples, mas muito bonito.

O disco trás grandes surpresas, como o cover de “Lucretia My Reflection”, música da banda britânica Sisters of Mercy, que se encaixou muito bem no contexto do álbum, sombrio, mas ao mesmo tempo gostoso de ouvir. A balada “Your Chosen Misery”, dá uma desandada, principalmente pelo ar melancólico. Na parte final do CD, vem outro cover: “Pattherns” do músico norte-americano Paul Simon, que também surpreende pela adaptação.

Oficialmente, a banda é formada por Warrel nos vocais, Matt Wicklund na guitarra, Dirk Verbeuren na bateria e Peter Wichers na guitarra. Os dois últimos são ex-integrantes da banda sueca Soilwork, sendo que ao último coube a mixagem e produção do disco e a gravação do baixo. São músicos competentes e com uma tarefa difícil: agradar Warrel Dane, que vinha desde anos pensando nesta produção que leva o nome de um dos mais brilhantes vocalistas de Heavy Metal da atualidade.

Dê uma olhada.

Septic Flesh - Communion (2008)

2009-12-21T21:26:00.000-08:00

Nunca ficou realmente claro o motivo de uma das mais criativas bandas do underground grego ter encerrado suas atividades em meados de 2003, depois de uma trajetória de 13 longos anos em prol da música extrema. O Septic Flesh havia liberado nesse momento um ótimo registro chamado "Sumerian Daemons" e logo depois, simplesmente anunciou seu fim.

Mas eis que, felizmente, em 2007, a carne se renova... Spiros 'Seth' (voz e baixo), Christos Antoniou (guitarra) e Sotiris Vayenas (guitarra) decidiram voltar ao cenário com planos grandiosos para seu novo registro. E "Communion" é o fruto que marca o retorno do Septic Flesh com todas as honras possíveis, mostrando que a ambição sempre exibida em seus discos continua em alta.

E põe em alta! Para esta gravação foram utilizados os serviços de uma orquestra composta por 80 músicos e 32 cantores, orientada por ninguém menos do que o próprio guitarrista Christos Antoniou. Assim sendo, muito da estética de seu último álbum agora está envolvida por toda uma dinâmica até então inédita mesclada à peculiaridade de seu rico Death/Black Metal.

As músicas são simultaneamente intrincadas e pegajosas, tendo em “Lovecraft's Death” uma perfeita abertura. Vale mencionar ainda a própria “Communion” e “We The Gods”, duas faixas onde tudo é muito denso e distorcido, além de ocasiões ainda mais épicas como “Sangreal”, “Narcissus” e “Anubis”, esta última sendo a melhor música disparada do CD, e uma das melhores de todo o ano de 2008, com ótimo trabalho de vozes.

Durante a audição se observa a brutalidade do Heavy Metal extremo, a atmosfera bombástica da música clássica e ainda a aplicação de contrastantes melodias leves e muito bonitas. Extravagâncias à parte, “Communion” mostra que o versátil Septic Flesh ainda tem muito a oferecer ao público, sendo um disco altamente recomendável a quem aprecia bandas como Behemoth, Dimmu Borgir ou o clima meio ‘hollywoodiano’ que o Therion tem elaborado em seus trabalhos mais recentes.

Excelente!

Neon Indian - Psychic Chasms (2009)

2009-12-20T15:45:00.000-08:00

Quando eu nasci, nos anos 80, nunca pensei que ouviria tanta merda na música. Muito do meu repertório auditivo deve-se ao meu irmão, que tirou vantagem de tão bregas anos. Mas, por mais horripilante que a época tenha sido, ela tem um diferencial em relação às demais décadas que vivenciei: o fator nostalgia. Vamos lembrar de Depeche Mode, Erasure, Duran Duran, Eurythmics e outras bandas que atravessaram o período com seu synth pop. Mas também vale guardar um espaço para as one hit wonders, tão presentes naquele tempo como hoje. Aquelas bandas que você conhece uma música, mas sempre tem uma certa dificuldade para dizer quem toca. Daí, mais do que a ausente qualidade que elas evocam, elas nos fazem lembrar da infância, de todas as coisas do meu tempo, desde telefone de disco e fitas K-7 até seriados japoneses e confeito Xaxá.

Eu não lembro do contexto em que as músicas dos anos 80 estavam inseridos. Mas eu lembro de que elas passaram por meus ouvidos enquanto eu brincava na rua ou fazia tarefa de casa. E eu nunca parei para analisar nenhuma delas, elas simplesmente invadiram meus miolos e lá ficaram. Passado o grunge dos anos 90 e todo meu preconceito musical extenso, comecei a nutrir meu coração mole de mãe e deixei de filtrar tanto as músicas que aconteciam. Então, passei a buscar praticamente tudo o que eu lembrava dos anos 80, e não foi pouca coisa. Ficou tudo espalhado em várias pastas, CD's e DVD's. E é engraçado como praticamente não baixei nenhum disco inteiro da época, apenas os hits, pois era o máximo que aquelas bandas conseguiam emplacar.

E eis que, no meu garimpo, baixei esse disco e nem lembrei disso, até ontem. Não fazia a menor ideia do que se tratava e resolvi ouvir. Eu fui no passado e voltei, e com uma autenticidade assustadora. O Neon Indian não é um projeto com influências dos anos 80. Ele É um disco dos anos 80, com direito à toda parafernália eletrônica analógica, cores berrantes e sintetizadores boiando por todas as faixas. O toque genial da coisa é a sonoridade desse disco, totalmente rádio AM ou toca-fitas Phillips ou outra coisa parecida.

Eu não sei se as possibilidades musicais realmente já se esgotaram, mas o revival proposto pela banda é extremamente positivo pelo fato de conseguirem reproduzir aquelas músicas tão bem. Várias bandas se embebedam de anos 60 e 70 até hoje. Até de anos 80 também, mas eu nunca vi alguém que embarcasse num Delorean e trouxesse de volta um disco tão característico. Sem dúvida, uma das coisas mais agradáveis que podiam ter feito neste fim de anos 2000.

01. (AM)

02. Deadbeat Summer

03. Laughing Gas

04. Terminally Chill

05. (If I Knew, I'd Tell You)

06. 6669 (I Don't Know If You Know)

07. Should Have Taken Acid With You

08. Mind, Drips

09. Psychic Chasms

10. Local Joke

11. Ephemeral Artery

12. 7000 (Reprise)

Back to the future

Top 20 - #17 - Tuatha de Danann - Trova de Danú (2004)

2009-12-18T20:52:00.000-08:00

O Tuatha de Danann já é reconhecido como um dos grupos mais criativos e talentosos do cenário nacional. Trova de Danú não é apenas o melhor disco da banda até agora, mas é a maior prova de que com um pouquinho de dedicação é possível vencer as limitações impostas a quem faz música de forma independente e não se dispõe a fazer concessões em nome do sucesso.

O Tuatha mudou de gravadora, mas a sonoridade continua intacta e mágica como na época das demos, com apenas um diferencial: a natural evolução técnica dos músicos e a ampliação do uso de instrumentos exóticos para conduzir o ouvinte numa viagem pelo folclore celta. Tudo isso feito com muito amor pelo Heavy Metal e muita dedicação por parte dos músicos.

É muito difícil não gostar desse disco logo de início. A música conquista de imediato, mesmo aqueles que não são entusiastas do Folk Metal. Aliás, nem só de Folk Metal é feita a música do Tuatha. Nesse trabalho, as influências do Doom Metal praticamente desapareceram, mas a pegada Jethro Tull que a banda sempre teve está ainda mais forte.

“Bella Natura”, a faixa que abre o disco é veloz e pesada, mas com uma atmosfera “pra cima” que contagia até o mais mal humorado dos headbangers. “Lover of the Queen” tem uma pegada mais épica, portanto, mais característica dos trabalhos anteriores da banda. A interpretação de Bruno Maia é magistral nessa faixa. “Land of Youth” é a faixa mais Skyclad da carreira do Tuatha. Violões em profusão e aquela batida rapidinha, mas bem reta (ouve-se até um banjo nessa música. Muito legal mesmo). A própria deusa Danú aparece para cantar em “De Dannan’s Voice” e o resultado é, no mínimo, indescritível. “The Land’s Revenge” é uma das minhas favoritas pelo fato de ser despretensiosa e lindíssima ao mesmo tempo.

As flautas de Bruno estão em destaque aqui e toda a banda fez um excelente trabalho numa faixa melódica e muito pesada, talvez até lembre um pouco a nova fase do Angra, mas nada muito explícito. O disco segue com faixas maravilhosas como “Spellboundance”, “Believe: It’s True” e a impressionante faixa-título, dentre outras.

Difícil encontrar defeitos num disco que transborda honestidade e feeling. O meu maior medo era que o Tuatha começasse a aliviar o “delírio” contido nos trabalhos anteriores em nome de uma maior facilidade de penetração na grande mídia (sem trocadilhos infames, por favor). Mas, para a sorte de nós, fãs do trabalho único dessa banda, isso não aconteceu. Ao contrário, como eles prometeram no disco anterior, o delírio está apenas começando.

Here!

Omar Rodriguez-Lopez - Solar Gambling (2009)

2009-12-16T17:29:00.000-08:00

O porto-riquenho é o líder do Mars Volta, excelente guitarrista canhoto e hiperativo. Além de gravar com a banda, encontra espaço e acordes para gravar uns 3 discos solo por ano. O mais recente é esse Solar Gambling, onde ele mantém a pegada assimétrica e tende ao experimental. Com mais liberdade para trabalhar do que tem no Mars Volta (como se precisasse), ele adiciona vocais em espanhol e melodias totalmente dissonantes. Mas tudo soando ainda muito familiar, desde as distorções usadas aos vocais de Ximena Sarinana, namorada do moço, que em alguns momentos lembram o timbre do parceiro velho de guerra, Cedric Bixler-Zavala.

Mas apesar das semelhanças, seu trabalho solo parece mais guitar-focused, semelhante ao do seu amigo John Frusciante. Ele parece querer explorar mais as nuances do instrumento que por tanto tempo detestou. Por isso abusa dos pedais, os quais ele começou a ver como aliados em sua guerra contra a guitarra, pois seu objetivo era fazer com que o instrumento soasse como qualquer coisa diferente dessa coisa que ele odeia: a própria guitarra.

Comparado com seus trabalho anteriores, esse é bem mais acessível, algo como o disco de baladas do Omar. Mas o que importa é que o cara é realmente foda, para conseguir compor tanto para tantos, considerando que ele produz qualquer coisa muito além dos três-acordes usuais das bandas atuais.

01. Locomocion Capilar

02. Las Flores Com Limón

03. Colmillo Castrado

04. Un Buitre Amado Me Pico

05. Poincaré

06. Los Tentáculos De La Libélula

07. Miel Del Ojo

08. Lorentz

09. Vasco Da Gama

Aqui.

Darkwood - Ins Dunkle Land (2009)

2009-12-13T19:17:00.000-08:00

Tá estressado? Nervoso? Quer relaxar sem ter que recorrer à remédios "sérios" ou a maracujinas da vida? Aqui vai um conselho: Já ouviu falar em NeoFolk? Não? Pobre animal. Mas Mau Mau vai lhe salvar, viu filhinho?

Não lembro se já explanei o conceito de NeoFolk aqui. Por via das dúvidas, lá vai. É da wikipédia, mas fui eu quem o colocou lá: Neofolk é um dos desdobramentos do Folk Music, que surgiu primeiramente na Europa, com influencias de músicas de cunho Industrial. O Neofolk pode ser tido como uma música folclória acústica ou uma mistura de instrumentos acústicos do meio folk, acompanhada por uma variedade de sons como pianos, harpas, violão clássico e elementos da música industrial e experimental.

As bandas que são consideradas os carros-chefe do estilo são, ao meu ver, Of The Wand & The Moon, que vai aparecer aqui uma hora dessas, Sol Invictus, Darkwood Current 93 e Death In June, todos com as características expostas acima.

Este novo trabalho da banda em questão é descrito pelo mentor da banda, Henrik Vogel, como uma tormenta em terras obscuras. Um projeto que surgiu da idéia de expressar o amor que sentimos pela pátria onde nascemos [Alemanha], e sobre como nos identificamos com ela. A música é uma fusão de temas tradicionais e paisagens sonoras. Instrumentos acústicos bem utilizados, bem como os ruídos sintéticos e vocais em inglês e alemão.

O grande diferencial do Darkwood é produzir um disco de NeoFolk sem soar chato depois da terceira faixa. A faixa 02, Caucasian Tales, é a mais bela do CD, falando da chegada da primavera, e da vida brota na mundo, em contraste com a morte dos humanos, que não tem os quatro ciclos da natureza. Tudo isso regado a violões, um distante sintetizador, e o vocal de Vogel.

Não se engane: Não é música de Jack Johnson, que é cute-cute e faz as pessoas realizarem luais na praia, só pra ouvir "Upside Down". É um material do mais refinado bom gosto, prazeroso de se ouvir, de preferência tomando algo que preste.

Mais uma obra prima de músicos alemães, que desde o aperfeiçoamento do conceito de ciência (tanto as duras, quanto as sociais), mostram-se muito à frente de outros, no quesito "abstração."

Viaja!

Between The Buried And Me - The Great Misdirect (2009)

2009-12-12T09:25:00.000-08:00

O Between The Buried And Me é uma banda americana do chamado math rock, que tem influenciado muitas bandas atualmente. Pra mim, é mais uma vertente indie do metal. Todas as assinaturas estão lá, os riffs complicados e fluídos das guitarras, e estruturas de composição que muito se assemelham a fórmulas matemáticas. De fato, os caras que investem no estilo procuram mesmo fórmulas em que possam basear suas composições, como fez o Tool ao explorar exaustivamente a sequência de Fibonacci, onde um número é conseguido através da soma do atual com o anterior (1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 55...), no Lateralus. O Between soa muito parecido com o Children Of Nova, que entrará aqui em breve, com a diferença de contar com vocais mais rasgados, death (ou qualquer outro metal que o valha. Esse não é meu departamento), e aí eles ficam mais semelhantes, talvez, a um Meshuggah.

O álbum tem 6 faixas, sendo uma com 9 minutos e outras 3 passando dos 10 minutos. Engraçado como os caras conseguem ir de um ritmo mais melancólico, próximo ao Tool, ao peso extremo-dois-pedais de um minuto a outro ("Disease, Injury, Madness" é um bom exemplo). Musicalmente, são muito ricos e parecem manjar do riscado. Talvez apenas o vocal gritado seja desnecessário em algumas passagens. Mas é lindo ver a batida quebrar tantas vezes dentro de um mesmo riff, provocando um choque rítmico. Bom disco pra esse fim de semana.

Só uma curiosidade: o nome da banda foi inspirado, inesperadamente, num verso da (bela) música "Ghost Train", do excelente Counting Crows (lembra da música do Mr. Jones? Pois é).

Took the cannonball down to the ocean

Across the desert from the sea to shining sea

I rode a ladder that climbed across the nation

Fifty million feet of earth between the buried and me

01. Mirrors

02. Obfuscation

03. Disease, Injury, Madness

04. Fossil Genera - A Feed From Cloud Mountain

05. Desert Of Song

06. Swim To The Moon

Aqui.

Opeth - Ghost Reveries (2005)

2009-12-10T12:13:00.000-08:00

O que esperar de uma banda como o Opeth depois de tudo o que eles já fizeram? Boa pergunta não é mesmo? Digo ainda mais um detalhe, o que esperar do Opeth com mais um integrante efetivo na banda? Per Wiberg (teclados), o mesmo que gravou o Damnation e saiu em turnê com a banda pelo álbum como músico convidado teve seu trabalho tão apreciado por Akerfeldt que agora ele é membro oficial da banda. Sim agora a banda possui 5 músicos!

Imaginem um Blackwater Park (melhor disco da banda) com teclados, um pouco mais progressivo e com passagens acústicas mais presentes ainda, mas mesmo assim mantendo o peso do Death Metal. Imaginem um álbum totalmente coeso com uma maturidade ainda maior, esbanjando criatividade, feeling, peso, técnica, melancolia. Sim, essa é a cara do Ghost Reveries.

O álbum já começa com um banquete a la Opeth: Ghost Of Perdition tem o peso característico, vocais guturais, passagens acústicas muito bem trabalhadas com arranjos de teclado.

Em seguida temos The Baying of The Hounds, outra música bem no estilo da cozinha da banda, nota-se nessa música solos muito bem feitos, passagens acústicas lindas, riffs bem elaborados nas partes de peso, acompanhamento do teclado coeso e bem encaixado.

Beneath The Mire já começa a mudar a cara do álbum, cada vez mais se nota a diminuição das vozes guturais e as passagens acústicas são mais presentes do que as partes de peso. O final dela é lindo, bem progressivo, com sons sintetizados diferentes, coisas jamais vistas no Opeth, até então.

Agora chegamos no que eu chamo de progressividade: Atonement nos remete ao Damnation, mas a riqueza dessa música está além do que eu jamais vi no Opeth, tem tanto detalhe, tantas frases lindas que provavelmente se esta música estivesse no Damnation seria considerada o diferencial do álbum. Sim essa música é uma balada com tudo o que se tem direito, talvez a mais bela melodia calma do Opeth já escutada por mim até hoje.

Reverie/The Harlequin Forest, forte candidata a melhor música da banda, com certeza a melhor do álbum. Essa música tem um ar diferente das músicas pesadas do Opeth. Ela tem um peso forte, misturado com uma melodia sem igual, mas a voz nessa música é mais marcada pela voz normal do Mikael, e não a gutural apesar de aparecer em certas partes também. Mas partes acústicas também são notadas e a melodia dela é impressionante, partes progressivas de maneira jamais criadas pelo Opeth são notadas nessa música também, partes que remetem ao Damnation de certa forma também pelo uso do teclado.

Hours of Wealth é linda, dedilhados característicos da banda, mais uma balada fortemente influenciada pelo Damnation e também de baladas anteriores da banda, o teclado de Per caiu como uma luva, e o resto da banda também como sempre.

The Grand Conjuration é um Doom/Death Metal de primeira categoria, o teclado na parte de peso deixou a música bem sombria, ótima performance da banda, música sinistra, belíssima, bem na cozinha Opeth, peso, quebradas, passagens acústicas, vocais guturais, vocais normais, e agora temos que nos acostumar, teclado fazendo bases assombrosas.

Isolation Years é mais uma balada belíssima com ótimos arranjos, ótima composição para fechar o álbum com chave de ouro provando mais uma vez que o Death Metal tem seus representantes de muita sensibilidade e criatividade e que o Opeth é uma das melhores bandas dos últimos tempos.

Esse álbum é simplesmente genial, e mostra a banda no auge da sua maturidade, e do processo criativo de Akerfeldt.

Obrigatório!

The Beta Band - The Three EP's (1998)

2009-12-09T16:54:00.000-08:00

Como chamar uma banda que toca um folk-rock-eletrônico fincado nos alicerces do experimental? The Beta Band, claro. Nome mais perfeito, rapaz. Soa como uns donzelos em busca da batida perfeita (Marcelo D2 procura a pobre até hoje. Não, ainda não encontrou), ainda que pra isso naveguem por mares bizarros. A banda beta dá enorme preferência ao instrumental, esquecendo quase sempre de colocar vocais. Mas não é porque são ruins, não. É viagem da cabeça deles. Eles conseguem passar de experiências batiqueiras como em "I Know" e "B+A" para o hippie folk tranquilão de "Dog's Got A Bone" com a naturalidade de uma troca de canais num controle remoto. Delícia de música.

Só contextualizando, esse The Three EP's, como o nome diz, é uma compilação de 3 EP's lançados pela banda nos anos 90. Os caras conseguiram um certo sucesso no Reino Unido, mas era praticamente anônimos nos Estados Unidos. Bom, fodam-se eles e a mania de só olhar pro próprio umbigo. A banda se desmaterializou em 2005, com cada membro da banda tomando rumos diferentes. Eles ainda lançaram 3 álbuns antes da dissolvição.

Mas o importante é que deixaram um legado acima da média da música produzida na época e atualmente. É dessas bandas folclóricas que somem sem motivo aparente e ficam apenas no imaginário dos poucos que tiveram o privilégio de acompanhá-la e daqueles que seguiram o boca-a-boca.

Um bom exemplo da musicalidade excepcional da banda é "Dry The Rain", pra mim, uma das melhores músicas pop da história (consta no filme Alta Fidelidade). Começa lenta, batidinha e violão e toma ares de fanfarra ao ser invadida por um fenomenal naipe de metais do meio pro fim.

Em breve, mais dos caras.

01. Dry The Rain

02. I Know

03. B+A

04. Dog's Got A Bone

05. Inner Met Me

06. The House Song

07. Monolith

08. She's The One

09. Push It Out

10. It's Over

11. Dr. Baker

12. Needles In My Eyes

Baixe, incrédulo!

Katatonia - The Great Cold Distance (2006)

2009-12-07T14:00:00.000-08:00

Não é muito necessário tecer qualquer tipo de comentário introdutório a respeito do Katatonia. Alcunhas como "Reis do Doom" ou "Doom Masters" são alguns dos chamamentos que a banda recebe.

O "Great Cold Distance" foi o 7º trabalho de estúdio dos suecos, e mostrou uma banda mais leve, sem o peso arrastado do clássico absoluto, e até hoje melhor disco da banda, "Dance of December Souls". Mas isso em nada retirou a qualidade do som, e sim a eterna busca das bandas prolíficas em aperfeiçoar ou evoluir dentro do seu trabalho.

Aqui os vocais límpidos de Jonas Renkse são usados em sua totalidade. O disco não possui nenhuma passagem de vocal gutural, nem nada parecido com isso. O que dá pra notar é que todo o peso foi propositalmente transpassado para as guitarras, com afinação baixa, dando total prioridade aos graves, fazendo o trabalho soar pesado, arrastado, mas sem se tornar repetitivo.

Os destaques dentro do CD são muitos (diria 95% das músicas), mas as melhores são My Twin, que tem um clipe pertubador, com Jonas cantando numa afinação baixa, e ao mesmo tempo, forte, assombroso. Outra é July, onde se dá preferência ao jogo de guitarras, produzindo um hit, se é que pode se chamar assim. Por fim, Deliberation, que tem o melhor refrão de todo o disco.

Pra mim, o segundo melhor trabalho do Katatonia, atrás apenas de um disco sobrenatural, que nem deveria contar.

Tracklist:
1. Leaders 04:21
2. Deliberation 04:00
3. Soil's Song 04:12
4. My Twin 03:41
5. Consternation 03:51
6. Follower 04:46
7. Rusted 04:21
8. Increase 04:20
9. July 04:45
10. In The White 04:54
11. The Itch 04:20
12. Journey Through Pressure 04:21

Download.

MGMT - Oracular Spetacular (2007)

2009-12-04T17:19:00.000-08:00

Diante de um certo marasmo que atingiu a música nesse início de década-século-milênio, parece que qualquer um que tenta algo apenas um pouco diferente do que o resto anda fazendo, merece destaque, atenção e babação da mídia. Os atuais queridinhos da imprensa tem sido a dupla americana Ben Goldwasser e Andrew VanWyngarden, que formam o MGMT. Com um pé descalço no flower power dos anos 70 e o outro chacoalhando no synth pop dos anos 80, eles conseguiram o grande mérito de fazer música pop acessível e - o mais importante - de qualidade. Pode ser que seja eletrônico, algumas vezes rock, tanto faz. O que importa é que eles divertem, entretem e causam uma boa impressão, no final de tudo.

E foram tão competentes que conseguiram figurar simultaneamente em pistas de dança e festivais indie. Em 2008, esse Oracular Spetacular foi eleito o melhor álbum do ano pela renomada NME. Essa semana, foram nomeados para o Grammy 2010 como Melhor Performance Pop Por Uma Dupla Ou Grupo Com Vocais (criaram essa categoria pra eles?) com a música "Kids". Já os tinha citado aqui, no "Embryonic" do Flaming Lips, onde eles participam em uma faixa. Paul McCartney já é fã dos caras. E não que isso seja importante, mas eu também.

A verdade é que eles criaram um disco dançante, com algumas pérolas pop, viajando entre diversos estilos, instrumentos, batidas. Ouvindo, verás que toda a babação tem sentido.

01. Time To Pretend

02. Weekend Wars

03. The Youth

04. Electric Feel

05. Kids

06. 4th Dimensional Transition

07. Pieces Of What

08. Of Moons And Birds And Monsters

09. The Handshake

10. Future Reflections

Aqui, ó.

Top 30 | #26 | David Bowie - Let's Dance (1983)

2009-12-01T04:15:00.000-08:00

Quase sempre a crítica associa o nome David Bowie ao chamaeleonidae, vulgo camaleão, e esquecem quase que completamente da competência do sujeito pra fazer música. Mas isso é normal. Afinal, chamar Bowie pelo seu alter-ego réptil demonstra conhecimento de causa. Não trata-lo assim certamente vai fazer a reputação do sujeito cair. "O cara escreveu um texto inteiro sobre David Bowie e não o chamou de camaleão! Que heresia!" Que merda, eu diria. Tantos e tantos artistas por aí tiveram mudanças tão ou mais significativas que o inglês e ninguém falou nada. Aliás, tantas mudanças no estilo ao longo da carreira não me parece nada absurdo, tendo em vista a sua longa, longa carreira.

Let's Dance é um dos melhores que Bowie já gravou, apesar da discordância de alguns energúmenos da imprensa que gostam de pegar no pé do (já não tão) pobre homem. Os anos 80 foram mais divertidos do que ricos musicalmente, e isso é fato, mas não impediu de gerar essa coleção de hits, comprovado pelo excelente desempenho do álbum nas paradas (#4 nos indiferentes EUA e #1 no Reino Unido, Austrália e Noruega), além de emplacar a faixa-título em 1º lugar no mundo todo.

Aqui, Bowie mostrou como é fácil criar um sucesso, desde a simplicidade demasiadamente pop de "Modern Love" até melodias mais intrincadas como a quase militar "Ricochet". Com Iggy Pop dando uma palhinha, conseguiu tornar célebre a música "China Girl" mundo afora.

Do time que o cara convocou para tocar no disco, o grande destaque é, sem dúvidas, a participação de guitarrista Steve Ray Vaughan, que deu um toque blueseiro às músicas. A baladinha "Without You" é um bom exemplo disso. "Ricochet" ganha como a música mais densa do disco, enquanto "Let's Dance" e "Cat People (Putting Out The Fire)" são as anima-festas.

Disco bom pra se ouvir quase o tempo todo. Não envelhece e não enjoa.

01. Modern Love
02. China Girl
03. Let's Dance
04. Without You
05. Ricochet
06. Criminal World
07. Cat People (Putting Out The Fire)
08. Shake It
09. Under Pressure *

* Sim, sim. Essa é a versão que vem com "Under Pressure", gravada com o Queen, de bônus.

Let's dance?
Senha: bluavlk01

Guns N' Roses - Chinese Democracy (2008)

2009-11-27T13:34:00.000-08:00

Sim. É ele mesmo. O Guns N' Roses. E sim, é mesmo o Chinese Democracy. E sim: O disco é espetacular. Eu poderia parar por aqui, mas como gosto de escrever e amo música boa, lá vai.

Esse disco começou a ser pensando em 1994. Isso mesmo, foi quando Slash começou a mandar as primeiras fitas com gravações de riffs pro Axl. As gravações propriamente ditas começaram em 1997. O disco foi lançado em 2008. Ou seja: Quase 12 anos de produção real do CD.

De lá pra cá, (quase) todo mundo sabe o que aconteceu com o Guns. Surto(s) psicótico(s) de Axl, uso abusivo de heroína, esfacelamento da banda, e o aparente fim de uma das maiores bandas da história.

O Guns voltou do inferno em 2001, em um show antológico e triunfante no Rock In Rio, onde Axl disse: "Eu atravessei um traiçoeiro mar de horrores para poder estar com vocês aqui esta noite". De lá pra cá, muita coisa rolou, mas isso não é uma retrospectiva, é apenas uma constatação: Mesmo mais velho, com uma voz muito deteriorada, o talento de um músico pode se sobressair.

O Chinese Democracy é um paradoxo. Não se parece com absolutamente nada do que a banda faz anteriormente. Até o conceito "banda" aqui é diferente. É Axl e mais uns 20 integrantes que deram algum tipo de contribuição para o trabalho, deixando-o eclético e inovador. O uso de elementos eletrônicos, ingresso de DJs na banda, Axl explorando sua voz numa levada mais progressiva, tornam cada acorde desse disco uma instigante descoberta.

Músicas como Madagascar, que foi inclusive tocada pela primeira vez no Rock In Rio, com uma levada mais amena, calma, onde Axl Rose canta:

If we ever find it's true,
that we have a strength to choose,
Oh, freedom of all the chains
We have together.

São a marca do disco. Introspecção, e realmente uma caminhada por um mar de horrores. Ou There Was a Time, onde podemos ver ótimos solos e alguns agudos do "véio" e bom vocalista, considerado por esse que vos fala, um dos maiores talentos vocais de todos os tempos.

Sem mais. É Guns N' Roses, é Axl. E vocês vão ter que aturar.

Guns N' Roses - Chinese Democracy

Them Crooked Vultures (2009)

2009-11-25T17:56:00.000-08:00

Josh Homme, Dave Grohl e John Paul Jones.

Somente.

01. No One Loves Me & Neither Do I

02. Mind Eraser, No Chaser

03. New Fang

04. Dead End Friends

05. Elephants

06. Scumbag Blues

07. Bandoliers

08. Reptiles

09. Interlude With Ludes

10. Warsaw Or The First Breath You Take After You Give Up

11. Caligulove

12. Gunman

13. Spinning in Daffodils

Them Crooked Vultures

Peach - Giving Birth To A Stone (1994)

2009-11-23T14:57:00.000-08:00

Tem bandas que, por mais que tentassem exaustivamente fazer com que a carreira alavancasse, simplesmente não conseguiriam. É o destino. O Peach teve uma carreira meteórica, que durou de 1991 a 1994 e, por uma grande maré de azar, não conseguiu engrenar. A banda tocava um progressivo/art rock de qualidade que acabaria tornando o Tool uma das bandas de maior renome da atualidade e que, curiosamente, era a banda pra quem eles abriam nas turnês européias da banda norte-americana. Inclusive, o baixista do Tool, Justin Chancellor, tocou no Peach até o encerramento das suas atividades, quando, enfim, trocou de banda. E o Tool tocava duas músicas do Peach em seu setlist até meados dos anos 2000, "Spasm" e "You Lied", que se encontram nesse petardo.

Tecnicamente, a banda não deixava nada a desejar. Pode-se dizer que era pau a pau com o Tool da época. Melodias bem criadas, batidas quebradas no melhor estilo King Crimson, peso na medida certa, tudo o que ninguém fazia nos pobres anos 90. A primeira faixa, a supracitada "Spasm", é agressiva e ideal para iniciar o disco. E, falando no Crimson, eles mandam bem no cover de "Cat Food", mantendo a tom meio poker em mesa de pub. "Velvet" é outra que merece destaque, pelo som grave, intercalando com riffs soturnos.

"Dougal" é fantástica pelo tom crescente do seu riff durante o "refrão instrumental" da música, o que dá um clima assombroso. Essa é pra escutar direto. E o som da banda é tão parecido com o do Tool que dá a impressão que os guitarristas usam a mesma distorção. "Burn" já conta com uma batida rápida e guitarras agudas ao fundo se sobrepondo. Boa música.

Mas sem dúvida, a grande música do disco, a mais bem tocada, a mais famosa, a mais soturna, o grande destaque é "You Lied". Claro, não dá pra comparar o vocal de Simon Oakes com o alcance de Maynard James Keenan, mas o sotaque britânico dá um plus na música.

A grande dúvida é: como um álbum recheado de boas canções, bem produzido e reverenciado por uma das bandas mais competentes do mundo não consegue emplacar? Curiosamente, o álbum foi relançado em 2000 (ano de lançamento do "Salival" do Tool, que continha uma versão ao vivo de "You Lied") e obteve certo destaque nas vendas e crítica. Isso animou Oakes e Rob Havis a montarem uma nova banda, o Sons Of The Tundra, que ainda não conheço.

01. Spasm
02. Naked
03. Catfood
04. Velvet
05. Dougal
06. Burn
07. Signposts In The Sea
08. You Lied
09. Don't Make Me Your God
10. Peach

Peach - Giving Birth To A Stone

Tenhi - Airut: Aamujen (2006)

2009-11-21T08:58:00.000-08:00

A música folk sempre se caracterizou por ser muito difícil de ser classificada, por motivos óbvios. Singular em cada região que se analisa, terminou por englobar uma gama absurda de bandas e projetos e, como não poderia deixar de ser, subtrair-se em diversos sub-estilos, entre eles o NeoFolk, meu preferido.

O NeoFolk surgiu primeiramente na Europa, com influências de músicas de cunho industrial. Pode ser tido como uma música folclória acústica ou uma mistura de instrumentos acústicos do meio folk, acompanhada por uma variedade de sons como pianos, harpas, violão clássico e elementos da música industrial e experimental. O gênero cerca um sortimento largo de temas que incluem música tradicional, romantismo e ocultismo. Músicos que trabalham com o neofolk tem o costume de usar freqüentemente gravatas a outros gêneros post-industriais como música neoclássica e marcial, ou tem ligações com círculos pagãos a outros elementos de contra-cultura.

O Tenhi é uma banda finalndesa de NeoFolk, caracterizada por composições minimalistas e melancólicas, com forte influência folk em seus vocais e temáticas. Este álbum, o Airut: Aamujen, porém, é quase inteiramente tocado no piano, baixo e bateria, diferenciando-se das suas obras anteriores.

As composições desse disco soam lentas, arrastadas, mas ao mesmo tempo bastante criativas, sem soarem repetitivas ou caducas. O disco é extremamente relaxante, reflexivo e introspectivo, ideal para quem quer ouvir algo calmo, mas sem aqueles ideais suicidas Doom ou coisa parecida.

As letras são escritas em finlandês, como não poderia deixar de ser, são facilmente encontradas traduzidas na internet. Falam de conflitos pessoais internos, de decepções. Tudo de uma maneira sensata, racional. Ninguém aqui quer se matar, não é mesmo?

As faixas 02 e 04, respectivamente Seitsensarvi e Luopumisen laulu são os maiores destaques do disco, com o uso destacado do piano e de vocais praticamente declamados. A gravação foi feita na casa de um dos integrantes, mas não soa suja nem nada do tipo. É límpida, cristalina. Um disco extraordinário, que figura fácil entre os 3 melhores do gênero.

Tracklist

1. Saapuminen
2. Seitsensarvi
3. Lävitseni Kaikkeen
4. Luopumisen Laulu
5. Kuvajainen
6. Oikea Sointi
7. Kahluu
8. Hiensynty
9. Läheltä

Download.

The Whitest Boy Alive - Rules (2009)

2009-11-20T18:44:00.000-08:00

Num mundo de novas bandas que mal se diferenciam pelos nomes, é normal ficar com o pé atrás em relação a qualquer uma cujo nome comece com o artigo 'The'. É preciso cautela, discernimento e um saco com uma hidrocele crônica. Pois, o Whitest Boy Alive é uma banda alemã, contendo em sua formação o vocalista/guitarrista Erlend Øye, do Kings Of Convenience.

A ideia inicial da banda era para uma banda de dance, trance, psy ou qualquer outra merda dessas. Felizmente, eles abandonaram os eletrônicos e empunharam suas guitarras, baixos, bateria e Rhodes! Assim como o primeiro disco deles, "Dreams", esse "Rules" preza pela limpeza no som e pelo baixo em primeiro plano. A diferença é que eles largaram um estilo mais próprio, mais rock, e adotaram tons desbotados, partindo pra uma proposta retro ao fincar o pé na disco dos anos 70. Um conjunto de músicas com cheiro de boca-de-sino, sabonete Phebo e radiola. Pior de tudo: é bom pra caralho.

01. Keep A Secret

02. Intentions

03. Courage

04. Timebomb

05. Rollercoaster Ride

06. High On The Heels

07. 1517

08. Gravity

09. Promisse Less Or Do More

10. Dead End

11. Island

The Whitest Boy Alive - Rules

Nargaroth - Semper Fidelis (2007)

2009-11-18T19:33:00.000-08:00

Após o controverso "Prosatanica Shooting Angels", de 2004, o Nargaroth (personoficado pelo músico alemão Rene Wagner, conhecido como Kanwulf) solta esse novo petardo em 2007, “Semper Fidelis”. Um CD, anteriormente planejado para 2001, cercado de expectativa, acerca de um novo direcionamento ou não da banda.

Para os fãs do Black Metal clássico, ríspido; cru e direto, a decepção não será encontrada aqui. O que o CD trás são exatamente as características que fizeram o Nargaroth famoso na cena Black Metal: Um som direto, com aquela "atmosfera de garagem", mas sem deixar de ser extremamente trabalhado e extremamente épico. A diretriz desse novo trabalho pode ser constatada com a arte gráfica da capa. Uma foto de Kanwulf em meio a um ensaio no estúdio, mas com elementos e efeitos de imagem que tornam a mesma épica e grandiosa.

Com quase 1 hora e 20 minutos de duração, "Semper Fidelis" trás de tudo um pouco: Partes de música ambiente, com requintes de música clássica (caso da introdução e de trechos da faixa "Der Satan Ist's"); musicalidade gélida e riffs repetitivos e esporrados (caso de "Vereinsamt"). Além dos vocais urrados e potentes.

Se até então havia dúvidas sobre o direcionamento da banda, visto que outro grande representante da cena Black Metal, – o Darkthrone – resolveu inovar em sua musicalidade, esse receio caiu por terra.

Esse disco mostra que o Nargaroth realmente chegou à sua plenitude, fazendo o que sempre fez, música direta, sem experimentalismos. Em meio a novos direcionamentos dentro do sempre conservador Black Metal, “Semper Fidelis” chega como uma espécie de protesto e afirmação dos ideiais da “cena”, na ótica do mentor da banda.

Em suma. Procurando por um disco autêntico de Black Metal clássico? Profano, herético; sem inovações gritantes, apenas música para destruir seus ouvidos? Semper Fidelis está presente. Aliás, como o próprio título, em latim, já diz: Sempre Fiel. É isso que o CD tenta ser, ao Black Metal.

1. Introduction
2. Artefucked
3. Der Satan Ist's
4. Vereinsamt
5. Der Leiermann
6. Semper Fi
7. Hate Song
8. Into The Dead Faces Of Aftermath
9. Meine Phantasien Sind Wie Brennendes Laub Nicht Von Dauer
10. I Got My Dead Man Sleep
11. I Still Know
12. Outroduction

Semper Fidelis.

Red House Painters - Down Colorful Hill (1994)

2009-11-14T07:00:00.000-08:00

Depressão. Esse é um dos discos mais down que ouvi em toda minha vida. Mas essa era justamente a especialidade do Red House Painters: melancolia extrema. Aqui temos uma pequena coleção de músicas que não animaria nem festa de góticos. O serial killer responsável por essa tragédia atende por Mark Kozelek (que hoje tem uma banda chamada Sun Kil Moon), desde as letras terrivelmente tristes às melodias suaves, mas de ambiente carregado.

A "24" que abre o disco é terrivelmente lenta, angustiante. A letra fala sobre a passagem do tempo e toda a merda acarretada.

And I thought

At fifteen that I'd

Have it down by sixteen

And twenty-four keeps breathing at my face

Like a mad whore

And twenty-four keeps pounding at my door

A música tem uma batida lenta, mas tão lenta que dá vontade de dar um FF pra ela passar logo. O riff final, que dura uns 3 minutos, vai piorando a situação a cada mudança de tom, encerrando de forma dramática.

A próxima, "Medicine Bottle", é a minha preferida da banda. Eleita por mim a música mais depressiva da história. Muito por conta dos seus quase 10 minutos. A voz de Kozelek soa distante, ecoada através de paredes escuras numa sala muito ampla de uma cabana no meio de algum bosque encravado no coração de alguma cidade esquecida por aí. A letra fala sobre perda, e vai fundo nisso. A melodia praticamente não se altera ao longo da música e é impossível não entrar de cabeça nela. No meio da música há um solo de guitarra quase imperceptível, pois a base está mais alta, daí pouco se ouve além de um ruído distorcido ao fundo, como uma porta rangendo.

Fosse para citar uma música feliz aqui, ela seria - apesar do título - "Lord Kill The Pain". Dá até pra dançar, se você não perceber a ironia melodia-letra. Esse, sem dúvidas, não é um disco indicado para tardes nubladas ou noites solitárias. A não ser que suas janelas tenham grades e seu pai não seja PM.

01. 24

02. Medicine Bottle

03. Down Colorful Hill

04. Japanese To English

05. Lord Kill The Pain

06. Michael

Red House Painters - Down Colorful Hill

Amon Amarth - Twilight Of The Thunder God (2008)

2009-11-11T20:54:00.000-08:00

Receita para uma das maiores bandas de Metal do mundo, anote ae: Músicos técnicos, feeling escorrendo por cada acorde, músicas intensas, simbologia e temática de trabalho definida, sem soar caduca, e simplesmente o melhor vocalista da atualidade. Não. Você não tem uma banda hipotética. Você tem o Amon Amarth. A banda sueca é considerada um dos pilares do Metal atual, tendo em seu vocalista Johan Hegg um capítulo a parte, em termos de simpatia, presença de palco e, principalmente, técnica e potência.

O Amon é uma banda do chamado Death Metal Melódico. Ou pelo menos de alguma de suas imensas ramificações, que eu não tenho saco para dissecar. Mas sua temática específica (mitos, contos da Mitologia Nórdica, em especial os Vikings) os fizeram receber a alcunha de Viking Death Metal por algumas revistas especializadas.

Twilight of the Thunder God é o sétimo registro de estúdio da banda, e trás tudo que os consagrou: Riffs impressionantes, que cortam sua orelha e lhe obrigam a balançar a cabeça ou fazer, pelo menos por alguns segundos, para que ninguém veja, o air guitar; a potênica e alcance técnico impressionante de Johan Hegg, além da destruição que suas músicas trazem dentro de si.

Tudo é recheado de estudo e simbolismo. A capa, por exemplo, é uma representação de Thor lutando contra Jormungand, serpente gigantesca que pode cobrir a terra com seu veneno, e que trava uma decisiva batalha contra Thor no ragnarok.

Músicas como "Guardians Of Asgard" trazem bem o que a banda passa em suas letras: Standing firm against all odds
Guarding the most sacred home
We protect the realm of gods
Our destiny is carved in stone

Não soa clichê de forma alguma. É um som fortíssimo, em última velocidade, com um vocal gutural de meter medo, e que ao mesmo tempo lhe dá a possibilidade de entender cada sílaba do que o vocalista canta.

Uma das 3 melhores bandas do mundo há alguns anos já. Já falei que Johan Hegg é foda? Baixe isso, seu herege!

Link aqui.

The Fiery Furnaces - I'm Going Away (2009)

2009-11-10T16:37:00.000-08:00

Banda curiosa, essa formada pelos irmãos Matthew e Eleanor Friedberger. Começando pelos vocais agudos e a batida seca, que muito lembram o White Stripes. Mas a banda do Brooklyn parece mais refinada nos seus arranjos, um pouco mais complexos. A faixa-título tem um quê de música de desenho animado. A melhor do disco pra mim, "Drive To Dallas", começa como uma singela balada de FM e explode numa zoada infernal no meio da música, para depois retornar ao romantismo do início como se nada tivesse acontecido. "The End Is Near" começa da mesma forma, mas sem o inferno no meio.

A simplicidade 1-2-3 whitestripeana aparece novamente em "Charmaine Champagne", uma musiquinha feliz e cantarolante. O esquema pianinho-guitarrinha-bateria-corinho mantém-se na maioria das faixas. Eles atacam de "N.I.B.", do Black Sabbath, na faixa "Staring At The Steeple". O riff é inconfundível.

O som mantém-se constante até o fim do disco. Não é a melhor banda que você vai ouvir na sua vida, mas o disco é bom de ouvir, pra passar o tempo.

01. I'm Going Away

02. Drive To Dallas

03. The End Is Near

04. Charmaine Champagne

05. Cut The Cake

06. Even In The Rain

07. Staring At The Steeple

08. Ray Bouvier

09. Keep Me In Dark

10. Lost At Sea

11. Cups And Punches

12. Take Me Round Again

The Fiery Furnaces - I'm Going Away

In Extremo - Mein Rasend Herz (2005)

2009-11-08T16:36:00.000-08:00

O Folk Metal sempre foi um subgênero presente dentro da imensa esfera do Heavy Metal. Mas com o passar do tempo, o estilo foi se desenvolvendo cada vez mais, e ganhando em complexidade. As pessoas consideravam uma banda como sendo "Folk" quando ouviam uma flauta (transversa ou não) ou com o uso de violinos, ou ambos.

É sempre bom lembrar a origem da palavra "Folk". Ela vem de Folk-lore, e de Volk, expressão de origem germânica, que significa "povo". Sendo assim, o Folk Metal remetia a uma sonoridade nativa, popular. Isso é uma característica fantástica, porque diferente de uma banda de Death ou outro estilo, o Folk se reinventa a cada banda de determinada região que você ouve. É sempre uma nova descoberta.

O In Extremo é uma banda alemã, que começou sua carreira em 1995, e hoje é uma referência mundial em bandas do estilo supracitado. Flertando com temáticas medievais, usando gaitas-de-fole dos mais variodos estilos (sim, existe mais de um tipo), Bandolim, Chifre, Shalmei, Drehleier, Gaita Irlandesa, Harpa, Sintetizações, etc, a banda consegue soar com identidade, mesmo se inventando a cada novo material lançado. A gama é imensa. A banda é extremamente prolífica.

Mein Rasend Herz é o 7º registro de estúdio da banda. Aqui, o In Extremo retoma um pouco o "puro" Folk Metal, que havia deixado um pouco de lado em registros anteriores, onde tinha flertado - de maneira exagerada, ao meu ver - com a música eletrônica.

A banda adota um estilo mais direto, com o maior uso de gaitas-de-fole possíveis, sem se tornar um trabalho repetitivo e tosco. Os maiores destaques do disco são Fontaine La Jolie, com um refrão extremamente viciante, muito por causa dos vocais de Michael Rhein, um dos pontos mais altos da banda, além de um solo lindísismo de gaita irlandesa; Signapur, onde a banda adota um estilo mais épico, com uma instrumentação forte e marcante, fazendo uso de sentetizadores; e, sem dúvida alguma, Macht und Dummheit, considerada por muitos - inclusive por este que escreve - a melhor música da carreira da banda, com uso de violões acústicos, e um refrão inesquecível, mais uma vez graças a Rhein.

O disco é sólido, e figura facilmente entre os registros mais potentes da história do Folk Metal. Merece ser apreciado por todos que buscam um registro autêntico do que é um Folk Metal feito de maneira competente, sem ter a necessidade de duendes pulando pelo palco.

Tracklist:

01.: Raue See
02.: Horizont
03.: Wessebronner Gebet
04.: Nur Ihr Allein
05.: Fontaine La Jolie
06.: Macht Und Dummheit
07.: Tannhuser
08.: Liam
09.: Rasend Herz
10.: Signapur
11.: Poc Vecem
12.: Spielmann

In Extremo - Mein Rasend Herz

Top 30 | #27 | Erasmo Carlos - Carlos, Erasmo (1971)

2009-11-06T18:12:00.000-08:00

É fato que o Tremendão sempre viveu à sombra do bom moço Roberto Carlos. Numa época de grande ingenuidade musical, os dois assumiam papéis de Telecatch, onde Roberto seria uma espécie de Ted Boy Marino e Erasmo, o Coveiro. Papéis criados, cada um ficou com seu pedaço da torta. Roberto ficava com as flores e amores, enquanto Erasmo era o sexo, as drogas e o rock n' roll. Isso acabou por dar ampla vantagem mercadológica a Roberto, que era o queridinho na mídia. Restou a Erasmo a imagem de bad boy.

Mas enquanto sua contraparte boazinha colhia os louros do sucesso, grande parte por causa das parcerias com o Tremendão, Erasmo seguia à margem dos flashes, dadas as devidas proporções. Mas em seu favor havia uma grande competência musical e fluidez de estilos. Roberto não produzia nada além de seus standards românticos cada vez mais bregas. Erasmo partiu para o experimentalismo, alimentando-se de soul e samba, com as necessárias pitadas de rock. E eis que surge esse disco fantástico, o Carlos, Erasmo.

Para o ano, 1971, após o fim recente da Jovem Guarda, o álbum deve ter soado escandaloso para boa parte dos fãs, acostumados com o mamão-com-açucar. E mesmo sob a mira da ditadura, Erasmo conseguiu colocar no mercado uma música como "Maria Joana" que fala exatamente disso que o título diz. O disco já começa com uma festa deliciosa em "De Noite Na Cama", escrita por Caetano Veloso pro Tremendão. Cuíca, berimbau, guitarra discreta que dá o tom, e uma galera da porra arriando no fundo e aparecendo pra cantar o refrão em coro.

Depois, vem uma balada melosa, "Masculino Feminino", em dueto com Marisa Fossa (apropriado, não?). Mas é uma bela música. Segue um rockão, "É Preciso Dar Um Jeito, Meu Amigo", tocado com competência. Meio bluseiro, meio soturno. E ele manda bem na funkeada "Dois Animais Na Selva Suja Da Rua". "Gente Aberta" é uma balada suingada, que em alguns momentos tem uma linha de baixo semelhante à de "Ramble On", do Led Zepellin.

Pra fuder a merda, ele manda "Agora Ninguém Chora Mais", de Jorge Ben, num cover fantástico, onde não se percebe a voz de Erasmo, perdida em meio ao coro de vozes sobrepostas. Um dos pontos altos do álbum. "Mundo Deserto" é outra das minhas preferidas. Um disco-rock-soul-funk, mais uma vez permeado por coros e muitos metais. Metais que se repetem em "Ciça Cecília", que foi tema de novela. A já citada "Maria Joana" encerra o disco como ele começa. Com festa, mais berimbau e a Caribe Steel Band, com um coro de fundo sensacional. Chave de ouro.

01. De Noite Na Cama

02. Masculino, Feminino

03. É Preciso Dar Um Jeito, Meu Amigo

04. Dois Animais Na Selva Suja Da Rua

05. Gente Aberta

06. Agora Ninguém Chora Mais

07. Sodoma E Gomorra

08. Mundo Deserto

09. Não Te Quero Santa

10. Ciça, Cecília

11. Em Busca Das Canções Perdidas Nº 2

12. 26 Anos De Vida Normal

13. Maria Joana

Erasmo Carlos - Carlos, Erasmo

Isis - Wavering Radiant (2009)

2009-11-05T15:57:00.000-08:00

Em meados dos anos 1990, o gênero musical que mais explodiu, em termos numéricos (e nem sempre em termos qualitativos) foi o Metal Melódico, bem como suas variações (Heavy Melódico, Power Melódico, etc). Surgiam bandas aos montes. Parecia que todas já tinham materiais prontos, mas estavam esperando apenas o primeiro registro do estilo aparecer. A partir do ano 2000, a menina dos olhos de ouro da música foi o Sludge. Sendo reducionista e direto, mas didático, o gênero Sludge consiste em um subgênero do Metal (mais precisamente do Doom), com influências do Hardcore e do Punk. Soma-se a isso, pitadas de Música Industrial e do Southern Rock.

E sem dúvida alguma, a banda que encabeça esse gênero musical (que já se ramificou em outros 300 diferentes) é o Isis. A banda é norte-americana, mais precisamente de Boston. Sua carreira tem início em 1998, e a banda já tem no currículo participações dignas, como as de alguns artistas importantes. Como, por exemplo, Mike Patton (Faith No More) e Adam Jones (Tool).

Depois de 3 anos sem um disco oficial lançado (fora EPs), a banda retorna com seu "Wavering Radiant". O quinteto, formado por Aaron Turner, Mike Gallagher, Jeff Caxide, Aaron Harris e Bryant Clifford Meyer, ganhou um status cult, de representante do estilo, após soltar dois clássicos absolutos do gênero: os ótimos Celestial e Panopticon.

O disco segue a mesma linha dos trabalhos anteriores da banda. Músicas longas, complexas, guitarras fortemente distorcidas, uma bateria altíssima, principalmente o bumbo, e os vocais de Aaron Turner, que aparecem hora claros, presentes, hora distantes, como se o mesmo estivesse longe do microfone, criando uma atmosfera interessante em cada música. O legal do Isis, entre outras coisas, é que não são músicas previsíveis. Se em outras bandas você sabe exatamente como será a virada da bateria antes da mesma acontecer, isso é impossível aqui. A instrumentação eletrônica também é presente, e fica cargo do baterista Aaron Haris.

As passagens instrumentais - que são bastante longas - intercaladas com os vocais de Turner dão uma identidade inconfundível à banda. A diferença é que aqui não se vêem solos de guitarras, mas um predomínio do baixo, que parece ser o instrumento-chefe do grupo. A faixa de abetura do CD, Hall of The Dead e a última Threshold of Transformation, são as melhores do trabalho do Isis que, se não supera os dois marcos do estilo, não faz feito, sendo fácil um dos melhores lançamentos de 2009. Obrigatório!

Tracklist:

1 - Hall Of The Dead
2 - Ghost Key
3 - Hand Of The Host
4 - Wavering Radiant
5 - Stone To Wake a Serpent
6 - 20 Minutes / 40 Years
7 - Threshold of Transformation

Isis - Wavering Radiant (2009)

Pearl Jam - No Code (1996)

2009-11-03T13:30:00.000-08:00

Talvez o mais obscuro dos álbuns da banda. Se o Vitalogy, de 94, marca o fim de uma era, esse No Code - que veio em seguida - é o começo da nova. Passado todo o frisson de ser uma das bandas que encabeçavam o movimento grunge, o Pearl Jam soa mais tranquilo, não sei se por respeito ao decretado fim do movimento (com a morte de Kurt, o fim do Soundgarden e os problemas de Layne Staley, do Alice In Chains) ou por maturidade mesmo. O 4º álbum de estúdio da banda de Seattle é pouco comercial, a começar pela capa, um mosaico de 144 polaroids que se desdobram e mostram uma foto de estúdio em preto e branco e abriga outras 9 polaroids em tamanho natural com letras de algumas músicas no verso, além, claro, do cd.

Esse foi o primeiro disco da banda que comprei, após ler a crítica de Álvaro Pereira Jr. na Folha de São Paulo pouco após o seu lançamento. Já conhecia a banda de algumas músicas, como "Black" ou "Alive" do Ten, mas só passei a caçá-la realmente após ouvir "I Got Id", que só saiu num compacto chamando Merkinball, que vinha grátis junto com o Mirror Ball de Neil Young.

Aqui, a voz de Eddie Vedder começa a apresentar sinais de desgaste, depois de seu uso exagerado nos primeiros anos da banda. Mas é uma rouquidão que cai bem no No Code, como já pode ser percebido na primeira faixa, a distante, suave e soturna "Sometimes".

Large fingers pushing paint
You're God and you got big hands
The colours blend
The challenges you give, man

Girando 180º vem "Hail, Hail", uma profunda e fantástica DR, com fundo agressivo que torna-se melódico do meio pro fim.

If you're the only one, will I never be enough?
Hail, hail the lucky ones, I refer to those in love

Sometimes realize, I could only be as good as you'll let me
Are you woman enough to be my man?
Bandaged hand in hand

"Who You Are" tem uma levada percurssiva, com uma linha de baixo dissonante e vocais quase gospel. A música seguinte acontece de ser a minha preferida da banda, "In My Tree". Álvaro Pereira Jr. acertou em cheio na sua descrição, ao dizer que ela soa como se Vedder estivesse cantando da beira de um precipício. O baixo constante e entediante do início, acompanhando dos tons de Jack Irons, passam por uma bridge onde a guitarra dá leves toques com muito delay, para desafogar num refrão vigoroso. Vedder canta com muita franqueza uma letra extremamente pessoal.

I'm so light the wind me shakes
I'm so high the sky I scrape
Yea, I'm so high I hold just one breath
To go back to my nest, to sleep with innocence

"Smile" é um blues que tenta ser feliz e traz você de volta ao mundo. "Off He Goes" é uma bela balada acústica com uma letra-história no melhor estilo Vedder.

And I wonder bout his insides
Its like his thoughts are too big for his size
He's been taken, where I don't know
Off he goes with his perfectly unkept hope
There he goes

"Habit" é a mais pesada do disco, com McCready e Gossard querendo arrancar as cordas da guitarra e o vocal de Vedder rasgado. Assim como "Hail, Hail", ela tem quê de anos 70. "Red Mosquito" é outro blues, onde a voz dele parece querer voltar. "Lukin" é praticamente uma vinheta de um minuto que conta uma pequena saga urbana. Pesada. "Present Tense" seria, talvez, a música mais comercial daqui. Uma bela balada semi-acústica onde os vocais novamente se destacam, além da letra.

You can spend your time alone
Redigesting past regrets
Or you can come to terms and realize
You're the only one who cannot forgive yourself
Make much more sense
To live in the present tense

"Mankind" é um punk-rock-3-acordes cantado por Gossard, sem muitas firulas. A faixa que se segue "I'm Open" é praticamente um mantra Enya-style que pode figurar entra as músicas mais estranhas da banda. Fechando o álbum, "Around The Bend", baladinha suave que sincronizaria bem com o vai-e-vem das ondas do mar, naquele clima de fim de tarde. Bom disco, um dos melhores dessa ex-banda e ex-banda preferida.

01. Sometimes
02. Hail, Hail
03. Who You Are
04. In My Tree
05. Smile
06. Off He Goes
07. Habit
08. Red Mosquito
09. Lukin
10. Present Tense
11. Mankind
12. I'm Open
13. Around the Bend

Pearl Jam - No Code

Devin Townsend Project - Addicted (2009)

2009-11-01T07:09:00.000-08:00

Você conhece o músico canadense que atende pelo nome de Devin Townsend? Não? Então está perdendo um dos seres vivos mais prolíficos do mundo da música. Este senhor é nascido em 5 de Maio de 1972, e é considerado um dos melhores e mais controversos músicos do mundo. Quem lê esse Blog sabe sempre procuro sonoridades singulares, originais, trabalhadas e, principalmente, músicos que não tenham limites criativos, mesmo que criem merdas em algum determinado momento de sua carreira. "Só erra quem tá lá, sacô truta?"

Atente bem para o nome da "banda": É Devin Townsend Project. Não é Devin Townsend ou The Devin Townsend Band. Esses dois sendo "projetos diferentes" de Devin. Com sonoridades completamente diferentes, esses projetos fazem parte de Devin, que tem uma discografia extremamente extensa, mas que dá guinadas violentas em sua sonoridade. Exatamente por isso a quantidade de ramificações do que, para algum desavisado, poderia soar como a mesma coisa.

Devin Townsend Project é um outro vertente do trabalho dele, considerado pelo mesmo um trabalho em separado, no tocante a sua discografia. O projeto compreende quatro álbuns de diferentes estilos musicais, cada um com um conjunto diferente de participações/ músicos de apoio a Townsend.

O Addicted já é o segundo trabalho dessa quadrilogia, que teve o álbum "Ki" como seu ponto de partida. Os discos, como já foi dito, não são interligados. Não tem nenhuma historinha ou qualquer espécie de jornada conceitual. É apenas um músico explorando ao máximo sua capacidade inventiva.

Neste trabalho, Devin trabalha ao lado de outra mente genial. A vocalista holandesa Anneke van Giersbergen, ex-vocalista do The Gathering, em duetos espetaculares. O som caracteriza-se por uma pegada progressiva e industrial, com um forte uso de sintetizadores e demais sonoridades eletrônicas.

O disco tem uma sonoridade grandiosa, e pode não agradar aos fãs "véios" de Townsend, visto que é mais puxado pra um "Pop Complexo". Townsend faz um uso de guitarras tradicionais, sem usar baixa distorção, e deixando de lado os vocais guturais insanos, que o eternizaram no Strapping Young Lad. O disco é uma verdadeira montanha-russa, tendo faixas praticamente a cappela, e canções fortes, grandiosas, como é o caso de "Supercrush" e "Hyperdrive".

O desempenho de Anneke é o esperado: Esplêndido. Melhor do que eu, é melhor a opinião do malucão sobre o disco:

"Mas, de várias formas, eu acho que o que 'Addicted', esse disco, é sobre é, bem, dizer que não há nada mais. Dizer que isso é tudo. Sabe, que há esse infinito espaço de nada sobre nós e tudo o que temos é, tipo, um bando de outros humanos. Então qual é o resultado final disso? E, por anos, minha música tem sido realmente meio metafórica, e tem havido muita escuridão na música. Mas a percepção de que talvez não haja nada mais foi realmente revigorante pra mim porque eu pensei. 'Ok, se não há mais nada, então tudo o que precisamos ter é uns aos outros. Então o que nós queremos fazer? Nós provamos uns aos outros que estamos certos?'"

Tá dentro da aventura? Mergulha no mundo de Devin Townsend, e tu vai ver que nem precisa mais de álcool, nem nenhuma outra droga, mano.

Addicted

Machines Of Loving Grace - Concentration (1993)

2009-10-28T17:18:00.000-07:00

Os anos 80 viram o espocar de uma insuportável onda de música eletrônica que, se não mostrou qualidade suficiente, serviu para influenciar as próximas décadas. Os tecladinhos, samplers e sintetizadores fizeram a cabeça de muita gente, e essa gente acabou encontrando alguma utilidade para essa parafernália. Influenciados pelas bandas que se salvaram dos 80's, como Depeche Mode, New Order e Duran Duran, eles adicionaram o elemento rock que faltava ao adocicado synth pop da época. Mas quem são eles, oh, quem são? Provavelmente Trent Reznor e Al Jourgensen, criadores do Nine Inch Nails e Ministry, respectivamente, e fundadores do so called rock industrial, no fim da supracitada década.

Alguém me perguntou uma vez sobre o Nine Inch Nails e eu disse que era uma banda de rock industrial, no que o sujeito retrucou "rock industrial? Que é isso? Rock de usineiro?" Isso foi pouco depois de conhecer a trilha d'O Corvo, de 1994, recheado de bandas do estilo. Foi ali que comecei a simpatizar com as batidas eletrônicas misturadas com guitarras pesadas e efeitos mecânicos e metálicos. Uma das que mais me chamou a atenção foi o Machines Of Loving Grace, banda do Arizona. A música em questão era "Golgotha Tenement Blues", feita exclusivamente para o filme, e ela tinha um clima sombrio, pesadão, com sons de ferramentas caindo no chão. Isso foi fantástico pra mim, e até hoje a música soa extremamente atual. A banda acabou em 97 e depois de um hiato provocado pela escassez de mp3 da época, só consegui acesso ao restante do material da banda recentemente. Esse Concentration é o primeiro álbum da banda e, pra mim, o que tem mais atmosfera.

O baixo é bastante acentuado na maioria das músicas e a guitarra passa como serra elétrica por elas. E o som, de fato, dá a impressão que o disco foi gravado entre correntes, rolamentos, esteiras e máquinas de uma fábrica com pé direito monstruoso. Tudo ecoa soturnamente. Grande disco, de um gênero que praticamente foi aposentado.

01. Perfect Tan (Bikini Atoll)
02. Butterfly Wings
03. Lilith/Eve
04. Albert Speer
05. Limiter
06. If I Should Explode
07. Shake
08. Cheap
09. Acceleration
10. Ancestor Cult
11. Content?
12. Trigger for Happiness

Machines Of Loving Grace - Concentration

E pra quem quiser curtir a música da trilha de O Corvo, um industrial na sua mais pura essência, ei-la aqui:

Machines Of Loving Grace - Golgotha Tenement Blues

Green Carnation - The Quiet Offspring (2005)

2009-10-26T13:05:00.000-07:00

Existem certas bandas que simplesmente não conseguem ser encaixadas satisfatoriamente em nenhuma classificação. Não são rotuladas de tal forma, que se agrade a gregos e troianos. Isso soa originalidade, algo tão raro atualmente, na indústria musical. Quantas e quantas vezes você ouve uma banda de Death, Black, Melódico, Folk e tem a certeza de já ter ouvido aquilo antes? Maior merda. Chega se perde o tesão de continuar a ouvir o CD.

Não ocorre com o Green Carnation. A banda começou como um projeto paralelo do ex-guitarristaa do Emperor e Carpathian Forest, Tchort. Saindo um pouco da esfera extrema do Black Metal que suas duas bandas apresentavam, Tchort buscou algo mais intimista, pessoal. Junto com Kjetil Nordhus, que foi por anos o vocalista do Tristania, conseguiu fazer um som com cara e sonoridade próprias, totalmente único.

A banda começou suas atividades no início dos anos 1990 e alcançou reconhecimento rapidamente, em 2003, com o lançamento do "A Blessing In Disguise". O disco, classificado por revistas especializadas como "NeoProgressive Metal" agradou em cheio, mesmo sendo classificado como tendo uma audição difícil, complicada de "engolir" nas primeiras tentativas.

Em 2005 foi lançado o disco analisado aqui em questão. The Quiet Offspring levou a banda para um lado mais comercial e acessível a novos ouvidos. O que quase sempre é sinônimo de desgraça para muitas bandas, não alterou em nada o processo criativo do Green Carnation.

O álbum fala das experiências de todos os integrantes. Experiências de vida de uma maneira geral. Não existe um direcionamento específico. Fala da complicada convivência em sociedade de pessoas críticas, questionadoras; de desilusões amorosas; do choque de lidar com a morte pela primeira vez. Da relação entre vida e morte, de como nós ainda temos dificuldades extremas em encarar e lidar com esses fatos.

O disco é mais fácil de ouvir justamente pela inclusão de riffs mais comerciais na maioria das músicas. A primeira faixa do disco, homônima ao título do mesmo, apresenta isso logo com 5 segundos de música. Riffs com alta distorção, beirando o New Metal, podem chocar os fãs mais antigos do grupo, e maravilhar quem está se encontrando com a banda pela primeira vez.

Mas, com o passar das faixas, o Green Carnation mostra que continua o mesmo grupo intimista, pessoal e conflituoso de sempre. Faixas como A Place For Me, de autoria de Tchort, onde o mesmo se mostra totalmente perdido em suas escolhas de vida, ou em Purple Door, Pitch Black, candidata a mais bela faixa do disco, com uma introdução esplêndida, onde o vocalista se mostra descrente com a continuidade dos homens, em "so save me, I'm falling, and I don't have the strenght to go on", mostram que todas as características da banda estão presentes.

Em Dead But Dreaming, os riffs-facilitadores voltam, e mostram que é perfeitamente possível fazer um som acessível ao grande público, e de excelentíssima qualidade.

Sou dos que acham que se o guitarrista do Green Carnation peidar, vai ser foda. A banda entrou num hiato indeterminado depois de 2007, e eu sigo firme e forte em minhas macumbas para que eles voltem. O que é bom tem que perdurar, e 17 anos é muito pouco tempo.

Green Carnation - The Quiet Offspring

The Flaming Lips - Embryonic (2009)

2009-10-24T18:58:00.000-07:00

Maldita hora que fui inventar um Top 30. Esse disco só apareceu depois, e certamente ficaria entre os 10 melhores. Entre 0s 5, aliás. Ou até entre os 3. Se brincar, desbancava o número 1. Disco do ano. Melhor. Se Ok Computer foi o grande disco dos anos 90 (foi mal, Nevermind), esse é o melhor dos anos 2000, ganhando o título aos 45 do segundo tempo.

Seria pouco provável que uma banda com 26 anos de estrada lançasse um petardo desses nessa altura do campeonato, mesmo com seus aclamados últimos álbuns. Uma das poucas bandas no cenário atual que consegue manter tamanha regularidade depois de tanto tempo. Pois, o som do Flaming Lips preza pela psicodelia extrema. Uma heterogeneidade que sempre pega os mais despreparados de surpresa. E ainda assim, com toda a crítica favorável e os prêmios, a banda consegue se manter fora do mainstream.

Tenho pouco pra falar desse Embryonic. É simplesmente fantástico. Lindo em cada acorde sujo que permeia todas as 18 faixas. Velho, eles usam HARPAS! Um instrumento quase extinto e obsoleto. E eles as usam com propriedade. Os demais arranjos de cordas são sensacionais, como em "Scorpio Sword" e "Aquarius Sabotage". A faixa que a sucede, "The Impulse" é a mais retrô de todas, impulsionada pelo vocoder de Wayne Coyne. "Worm Mountains" é uma porrada vigorosa, a melhor do disco, com participação do MGMT. "Virgo Self-Esteem Broadcast" muito me lembra a parte final de "Steam Will Rise", do Silverchair, porém com requintes de telescópio. Linda. "I Can Be A Frog" é uma música bonitinha, que conta com a participação de Karen O, do Yeah Yeah Yeahs, nos vocais gravados por telefone, onde ela imita os animais que Wayne vai pedindo durante a música.

Porra, não vou falar mais dessa obra de arte. É perfeito. Wayne Coyne admitiu ter bebido de fontes como o Psycho Graffiti do Led Zepellin e o White Album dos Beatles. E o disco é propositalmente cheio de ruídos e mal-gravado. Puta que pariu, é foda!

01. Convinced Of The Hex

02. The Sparrow Looks Up At The Machine

03. Evil

04. Aquarious Sabotage

05. See The Leaves

06. If

07. Gemini Syringes

08. Your Bats

09. Powerless

10. The Ego's Last Stand

11. I Can Be A Frog

12. Sagittarius Silver Announcement

13. Worm Mountain

14. Scorpio Sword

15. The Impulse

16. Silver Trembling Hands

17. Virgo Self-Esteem Broadcast

18. Watching The Planets

The Flaming Lips - Embryonic

Orphaned Land - Mabool: The Story of Three Sons of Seven (2004)

2009-10-23T17:06:00.000-07:00

2004 foi um anoi extremamente produtivo, em termos de grandes lançamentos no - meu - mundo musical. Bandas como Die Apokalyptischen Reiter, Amon Amarth e Dargaard lançaram CDs que podem ser facilmente enquadrados como seus melhores, ou um dos melhores.

No caso do Orphaned Land, foi um pouco diferente. A banda vinha de um longo hiato de mais de 6 anos sem lançar nenhum disco de estúdio. Muitos achavam que a banda tinha, inclusive, encerrado as atividades. Ledo engano. Os israelenses executam um Folk característico do Oriente Médio: Instrumentos musicais existentes apenas naquela região do globo, tornam o som da banda único, englobando música Folk, popular de Israel, Death Metal, música progressive, percussão oriental, entre outras aventuras. Tudo feito com uma elegância e técnica ímpar.

O quinteto, formado por Kobi Farh, Yossi Sassi, Matti Svatizky, Uri Zelcha e Eden Rabin produziu esse disco, que até hoje é considerado como um dos melhores do novo século, dentro das várias esferas do Metal.

Mabool: The Story Of The Three Sons Of Seven é o terceiro álbum Orphaned Land. O conceito gira em torno do grande dilúvio bíblico e da consequente divisão das três religiões abraâmicas: O cristianismo, o judaísmo e o islamismo. As canções são relaxantes e potentes e emocionais. Cada um por si, uma pequena obra-prima.

Destaque absoluta para a faixa 01, Birth Of The Three (The Unificcation) e para a faixa 03, The Kiss Of Babylon (The Sins), que, juntas, englobam tudo o que está presente no CD. Cantores israelense, declamando cânticos religosos populares, em meio a uma tempestade de flautas, instrumentos de corda, e os vocais precisos de Kobi, que passeiam entre o gutural e o mais suave dos tons.

O disco é cantado em hebráico e em inglês, tornando a sonoridade ainda mais peculiar e interessante. Esse disco foi um marco na carreira da banda, que depois do mesmo, se viu alçada a um novo patamar dentro do Metal, entrando no Hall dos grandes.

Uma absoluta obra-prima da música. Um dos meus discos favoritos, que merece ser apreciado.

The Story Of Three Sons of Seven

The Mars Volta - Tremulant (2002)

2009-10-22T08:49:00.000-07:00

Que o Mars Volta é uma das bandinhas mais contraditórias, questionadas, ora superestimada, ora subestimada, quem conhece sabe. Muitos os criticam pelo caos que criaram em seus álbuns, com suas melodias quebradas, sons agudos, batidas inconstantes e alucinadas, letras desconexas e até o uso de falsetes por parte Cedric Bixler-Zavala, que junto com Omar Rodriguez-Lopez formou a banda, após a saída de ambos do At The Drive-In por divergências criativas (os demais membros formaram o Sparta).

O Tremulant foi o EP que os apresentou ao mundo. Ele abre com uma introdução percurssiva de dois minutos em "Cut That City", para explodir repentinamente. É o início da indisciplinada harmonia da banda. Eles abusam do uso de distorções nos vocais no meio da música e de ecos nos vocais do refrão. Depois disso, vem "Concertina", que começa lenta para depois explodir num refrão vigoroso. Após o refrão, mais uma característica da banda que eles carregaram nos outros álbuns: letras em espanhol. Nova explosão do refrão, seguida por um dos vários riffs complicadíssimos de Rodriguez-Lopez.

Fechando o EP, vem minha faixa preferida: "Eunuch Provocateur" e seus quase 9 minutos. Ela começa com um riff firme e repetitivo, pára para um sampler de um antigo disco de vinil que a banda utilizou e explode numa porrada. Destaque para o teclado, que dá o ar jazzístico da música. Aqui, a bateria não é tocada; ela apanha. No fim da música, novo sampler. Dessa vez, da canção popular "Itsy Bitsy Spider", tocada de trás pra frente.

Eu encaixaria esse EP entre o "Frances The Mute" e o "De-Loused In The Comatorium", na minha lista de preferência, pelo simples fato de suas 3 músicas serem excelentes.

01. Cut That City
02. Concertina
03. Eunuch Provocateur

The Mars Volta - Tremulant

Rammstein - Liebe Ist Für Alle Da (2009)

2009-10-21T16:40:00.000-07:00

Finalmente! A espera terminou. Depois de muito disse-me-disse, o Rammstein apareceu.

E depois de dois álbuns com muita experimentação, o Rammstein digere bem o que aprendeu e retorna para uma linha mais próxima do excelente 'Mutter' neste 'Liebe ist für alle da' ou simplesmente LIFAD. A comparação com 'Mutter' é injusta para uma banda que sempre explorou muito bem as possibilidades sonoras criadas por Flake Lorenz e companhia, mas é a referência mais notável nas onze faixas, que soam tão variadamente como o Dimmu Borgir em 'In Sorte Diaboli' e o RUSH em 'Snakes & Arrows' (o riff de Roter Sand evoca instantaneamente Bravest Face do trio canadense).

'Rammlied' abre o álbum com a precisão característica dos alemães, com coro no refrão e um riff direto e poderoso. 'Ich Tu Dir Weh' inicia com um teclado suave e segue alternando levadas muito pesadas e um tema principal que é, na medida do possível, suave. 'Waidmanns Hail' é direta, numa pegada de marcha militar que lembra 'Links 2-3-4'. Já 'Haifisch' começa como uma releitura do tema que abre o primeiro disco do sexteto alemão, resgatando muito do estilo característico dos dois primeiros álbuns da banda.

'B********' lembra a fenomenal 'Mein Teil', com o teclado criando um clima de horror e os vocais transitando entre sussurros e o refrão urrado. 'Fruhling in Paris' traz um belo trabalho de cordas, com Till interpretando a letra de maneira bem suave, como em algumas canções do 'Rosenrot'. Mais uma das canções baseada em fatos reais, 'Wiener Blut' trata do caso do austríaco Josef Fritzl, o pai incestuoso que teve sete filhos com sua filha mais velha, mantida em cativeiro num porão durante 24 anos.

'Pussy' é o primeiro single do álbum e fala sobre turismo sexual. Cantada em inglês e alemão, teve seu videoclipe divulgado através de um site de hospedagem de vídeos pornográficos, dado o conteúdo sexualmente explícito. A canção-título é a mais curta do álbum e passa como um dos momentos menos inspirados do trabalho. O disco se fecha com duas canções que flertam com o quê o Rammstein faz de mais parecido com uma balada, como também terminava seu álbum anterior, mas sem o brilhantismo de 'Los' ou 'Amour'.

LIFAD não é o melhor álbum do Rammstein, mas é maduro e consistente, fazendo jus ao alto nível de todos os lançamentos da banda. Resta torcer para que a turnê deste sexto disco dos alemães os traga de volta ao Brasil, desta vez como atração principal. E este que vos fala, estará lá.

Liebe Ist Fur Alle Da

Top 30 | #28 | Prodigy - The Fat Of The Land (1997)

2009-10-20T13:13:00.000-07:00

Enfim, o homem colocou um disco decente aí. O Perfect Circle, diria, é um Tool mais acessível, saindo de temas como filosofia oriental, essência humana e aliens para uma atmosfera mais medieval, antiga. Brevemente, eles aparecerão de novo aqui.

Quando era jovem, nutria um preconceito terrível pela chamada música eletrônica e suas vertentes, o tecnô, o house, o drum n' bass, sasporras. Muito disso veio da insuportável Jovem Pan e Suas Sete Melhores. Então, tudo o que se ouvia era Scatman John, Corona, Haddaway e Double You. E isso, convenhamos, era um lixo. Então, pra mim, se não tinha guitarra - como já dissera em outro post - não prestava. Tinha que ser sujo e pesado (não um XXX, ncecessariamente). Em meados de 97, 98, eu já estava enveredando pro lado do industrial, depois de ouvir a trilha de O Corvo, com Gravity Kills e Machines Of Loving Grace, e de conhecer Trent Reznor. A mistura do eletrônico com o rock começou a soar redonda.

Então, pra curtir o Prodigy nem foi tão difícil. Era eletrônico? Sim. Mas tinha peso, inclusive até algumas guitarras. Mas, mais que o peso dos instrumentos, havia a atmosfera suja, junkie e subterrânea. Quando "Breathe" estourou, foi uma revolução na minha cabeça. Do visual dos caras ao visual do próprio clipe, passando pelo som cadavérico dos sujeitos. O baixo frenético e alto, a batida seca e a guitarra distorcida do refrão transformavam aquilo num... rock.

"Firestarter" foi outra que pipocou, e seguia a mesma linha da primeira. O sotaque fortíssimo de Keith Flint, a batida alucinante e um instrumental que muito lembra um amedrontador zumbido de inseto faziam dela uma música pouco apropriada para pistas de dança. Caso tocasse numa pista de dança, pouco se conseguiria em termos de flerte.

Mas a verdadeira polêmica girava em torno da faixa que abre o disco, "Smack My Bitch Up". A introdução da guitarra já dá o tom da música. Mais pesada que ela, só o clipe. Filmado em primeira pessoa, contém cenas de agressão, aplicação de drogas, direção irresponsável, nudez e sexo, tendo sido proibido em uma porrada de países. E onde é liberado, o clipe só pode passar depois de 0h. Não sei se esse tipo de repressão funciona. Pra mim, serve mais para instigar e dar más ideias.

Excelente disco. Um divisor de águas do gênero, na época. E pra fazer uma banda de eletrônica participar de festivais de rock mundo afora e ser bem-recebida, tem que ser bom mesmo.

01. Smack My Bitch Up
02. Breathe
03. Diesel Power
04. Funky Shit
05. Serial Thrilla
06. Mindfields
07. Narayan
08. Firestarter
09. Climbatize
10. Fuel My Fire

Prodigy - The Fat Of The Land

A Perfect Circle - Mer de Noms (2000)

2009-10-20T08:50:00.000-07:00

Maynard James Keenan é um cara engraçado. O cara, no começo dos anos 1980, trabalhava em design de interiores em, Los Angeles, EUA. Ao longo da década, começou a tocar com uns amigos do trabalho e, no final dessa década e começo dos anos 1990, fundou o Tool. Essa banda, carro chefe de Maynard, é caracterizada por um som mais puxado para o Heavy Metal, no começo de sua carreira, e mergulhando fundo no que chamam de "Metal Alternativo" nos anos posteriores. Mas tudo isso, sinceramente, seria limitar demais os horizontes de Maynard. Tanto no Tool, quanto no A Perfect Circle, seus limites musicais são totalmente flexíveis.

O A Perfect Circle surgiu após uma longa batalha judicial entre Maynard e outros membros do Tool, com o primeiro fundando aquela banda em 1999. Logo depois, em 2000, a banda soltaria seu primeiro material, chamado Mer de Noms.
É considerado por muitos como o melhor trabalho do grupo até agora.

'Mer de Noms' significa 'Mar de Nomes'. Ao virar o CD e ler a contracapa, entendemos o porquê. Entre as 12 faixas do CD, 7 são nomes de pessoas.

A diversidade encontrada nesse álbum impede que o ouvinte fique indiferente à mudança de estilos.
Existem lindas baladas, como 3 Libras, Breña e a incrível Orestes (que tem uma das mais belas frases de toda a banda, "one more medicated peaceful moment (give me)"), que conta a lenda mitológica da visão do próprio Orestes.

Maynard mostra toda sua mágoa contra a própria mãe em Judith, onde 'desafia' o Deus em quem ela confiou ao recusar o tratamento contra seu câncer, levando-a a morrer. Temos faixas que te deixam angustiado (positivamente), com um ritmo prestes a explodir ao menor esforço (Rose é o melhor exemplo disso). A bela Renholdër, um instrumental com uma pegada introdutório, deixando você na expectativa do que virá depois. Tudo regado a excelente técnica musical, baixa distorção de guitarras, num clima absurdamente intimista e pessoal, preconizado por Maynard.

Enfim, esse é o tipo de disco onde qualquer ouvinte encontra pelo menos uma ou duas faixas que deixaria no repeat. E se você gosta de variedade e beleza, não pode deixar de ter este álbum na sua coleção.

1. The Hollow (2:55)
2. Magdalena (4:03)
3. Rose (3:24)
4. Judith (4:03)
5. Orestes (4:45)
6. 3 Libras (3:35)
7. Sleeping Beauty (4:10)
8. Thomas (3:29)
9. Renholdër (2:24)
10. Thinking Of You (4:31)
11. Breña (4:02)
12. Over (2:20)

Mer de Noms

Inglourious Basterds - Original Soundratck (2009)

2009-10-15T21:55:00.000-07:00

Tô dizendo que tudo gira em volta do anel... o cara posta a trilha medieval-fantástica da orgia de Tolkien e depois vem dizer que eu implico. "Oooh! Trilha sonora com orquestra!" Que novidade, hein? Quase tão previsível quanto a vitória do mocinho, o casamento da menina que odeia um cara e casa com ele mesmo ou a volta de Jason no próximo Sexta-Feira 13. Inclusive, essas trilhas tornam o próprio filme previsível. Cena de expectativa, suspense? Coloca aquela trilha que começa baixinha e vai subindo de acordo com a tensão. É tiro e queda, vá por mim. Isso vem funcionando há quase 50 anos. Hitchcock foi genial no seu Psicose. Spielberg fez o mesmo com Tubarão, copiando o primeiro. E daí, foi uma sucessão de repetições.

Mas eis que apareceu Tarantino. Esse não tem nada de original. Toda a sua obra foi feita à base de uma mistura heterogênea de influências que permearam toda a sua vida, de filmes de kung-fu e westerns dos anos 70 a Scorceses puro malte. Mas ele tem uma diferença: a dignidade de assumir isso. Mas ele tem seus méritos. Ele injetou cultura pop em filmes que prezam pela sem-vergonhice, pela violência gratuita e pelos diálogos épicos ("What motorcycle is this?" "It's a chopper, babe" "And whose chopper is this?" "It's Zed's" "Who's Zed?" "Zed's dead, babe... Zed's dead"), que inspirou um certo carinha chamado Guy Ritchie, que mandou bem nos seus Jogos, Trapaças e Dois Canos Fumegantes e Snatch.

Pulp Fiction foi o filme que o consagrou. E merecidamente. A ação despudorada e sem censura andando de mãos dadas com o humor ácido e ignorante de Tarantino transformaram o filme num dos maiores clássicos da história. E revelaram uma outra faceta do diretor: seu esmero e meticulosidade na hora de montar suas trilhas sonoras. Na verdade, parece que ele se diverte mais fazendo essa parte que os próprios filmes. E são, de fato, verdadeiros espetáculos à parte. A trilha de Pulp Fiction é uma das mais bem-sacadas que Hollywood já ouviu, incluindo nela "as cinco melhores bandas obscuras de surf music da história". E apesar do ecletismo da seleção, em nenhum momento qualquer uma das músicas fica deslocada em relação ao filme. E essa é a arte da trilha sonora: surpreender. E Tarantino sempre consegue arrancar um sorriso da platéia ao apresentar cada música de suas trilhas nos filmes.

E sua capacidade foi mostrada novamente em Jackie Brown, Kill Bill, Grindhouse e, agora, em Inglourious Basterds. Engraçado ver um filme passado na Segunda Guerra com todas as suas músicas sido compostas apenas décadas mais tarde. E todas elas foram sugadas de outros filmes, mostrando quantas faces uma mesma música pode ter. As vinhetas que apresentam os personagens dão uma dinâmica HQnesca à coisa. E em nenhum outro filme você poderá ver um Hitler atuando sobre um fundo musical country. Pra mim, o grande destaque fica por conta de "Cat People (Putting Out The Fire)", de David Bowie, tocando inteira quando a heroína judia Shoshanna prepara seu cinema para pegar fogo, preparando seu figurino femme fatale, e enquanto os figurões da SS vão se acomodando em suas poltronas.

Trilhaça para um filmaço.

01. Nick Perito - The Green Leaves Of Summer
02. Ennio Morricone - The Veredict Dopo La Condanna
03. Charles Bernstein - White Lightning
04. Billy Preston - Slaughter
05. Ennio Morricone - The Surrender La Resa
06. The Film Studio Orchestra - One Silver Dollar Un Dollaro Bucato
07. Zarah Leander - Davon Geht Die Welt Nicht Unter
08. Samantha Shelton & Michael Andrew - the Man With The Big Sombrero
09. Lilian Harvey & Willy Fritsch - Ich Wollt Ich Waer Ein Huhn
10. Jacques Loussier-Main Theme from Dark of the Sun
11. David Bowie - Cat People (Putting Out The Fire)
12. Lalo Schifrin - Tiger Tank
13. Ennio Morricone - Un Amico
14. Ennio Morricone - Rabbia E Tarantella

Inglourious Basterds - Original Soundratck

Howard Shore - The Lord of The Rings - The Fellowship Of The Ring (2001)

2009-10-15T17:07:00.000-07:00

Sou um aficcionado por trilhas sonoras de filmes épicos. Acho que compositores como Hans Zimmer, John Williams e Howard Shore conseguem produzir obras primas que transpassam, e muito, o filme, sendo responsáveis por metade (e olhe lá) do sucesso de um filme. Já conseguiram imaginar o filme "Gladiador", na cena da morte de Maximus, sem aquela música ao fundo? Trilhas sonoras são partes fundamentais.

Falando deste trabalho de Howard Shore, a primeira parte da trilogia escrita por Tolkien, Shore compôs uma música emocionante, em forma de ópera, desenvolvendo na trilha sonora mais de 80 leitmotivs específicos, que caracterizam as culturas da Terra-Média, as quais se referem.

A música foi feita, principalmente, pela London Philarmonic Orchestra e a London Voices, com a New Zealand Symphony Orchestra contribuindo com algumas das primeiras músicas de Moria.

A trilha sonora para a Sociedade do Anel e O Retorno do Rei ganharam o Academy Awards em 2002 e 2004. O último filme também ganhou um Oscar de Melhor Canção, bem como os Globos de Ouro de Melhor Trilha Sonora Original - Motion Picture e Melhor Canção Original. A música de Shore para O Senhor dos Anéis se tornou o maior sucesso de sua carreira , e é uma das mais populares trilhas sonoras orquestrais para filme de todos os tempos.

O estudo feito para que as composições fossem feitas foi gigantesco e árduo. Shore leu todos os livros de Tolkien, e anotou cada característica das diferentes culturas que deveria representar em suas orquestrações. O compositor teve acesso, também, às cartas de Tolkien, onde o mesmo se aprofundava em determinados povos, bem como seus hábitos, modos de vida e idiomas.

O resultado disso é uma música impactante, forte, em perfeita sintonia com o filme. Todo mundo já deve ter ouvido a passagem chave da orquestração, e muitos, que nem sabem que se trata de O Senhor dos Anéis, também a conhecem. Neste primeiro trabalho, músicas como The Bridge of Khazad Dum, e também a música gravada pela cantora e compositora Enya, The Council of Elrond, Featuring Anrion (Theme for Aragorn and Arwen), dão o toque do que o fã do filme (e de ópera) pode esperar.

Uma música de extrema qualidade, que consegue elevar o ouvinte aos campos de batalha do filme, como também as mais lindas paisagens da Terra-Média. Um clássico, que tem de estar na prateleira de todo amante da boa música.

A Sociedade do Anel

Hypnotic Brass Ensemble - Green (2005)

2009-10-15T06:54:00.001-07:00

Eu fico pensando. Como se pode encontrar beleza num... doom metal? Num black metal? Num grindcore? Onde estão as nuances? Aquelas que você percebe enquanto beberica uma dose de qualquer destilado? Aquelas que fazem você afundar no sofá ou poltrona e abandonar os air sticks por um breve momento? Devem estar aqui, num disco do Hypnotic Brass Ensemble.

O noneto de Chicago conta com 8 filhos do músico Phil Cohran, que já trabalhou com algumas feras da Motown nas décadas de 60 e 70. E como filho de fera é ferinha, seus rebentos multiplicaram seu talento. Esse disco é independente e foi lançado em 2005, mas não deixa nada a desejar na produção. Pros amantes de metais, isso é um prato cheio. E oito ferros (há ainda um jogo de panelas) trabalhando nessa harmonia é um júbilo. A coisa vai do clima intimista de "Jupiter" às dançantes "Birthday" e "Frankincense" numa técnica impressionante. Ainda há ecos de Quincy Jones e muita blaxploitation em "New Earth".

Disquinho excelente, pra ouvir várias vezes, sem enjoar. Funciona pra relaxar ou pra festejar, com a mesma eficácia.

01. Jupiter
02. Pops Riff
03. Birthday
04. Frankincense
05. New Earth
06. Paradise
07. Randolph St. Swing
08. Emmet Till
09. Balicky Bon

Hypnotic Brass Ensemble - Green

Immortal - All Shall Fall (2009)

2009-10-12T15:44:00.000-07:00

Um post para recuperar a essência beligerante deste espaço de duelos musicais.

Protagonizo outro retorno musical neste blog. Depois de 7 anos, um dos pioneiros e ainda principais bandas do Black Metal voltou. O Immortal, após o Songs Of Northern Darkness, de 2002, resolveu encerrar suas atividades, deixando meio órfão quem era fã do estilo. A banda sempre foi famosa, entre outras característica, por dois pontos: As fotos tosquíssimas dos integrantes da banda (se não acredita, entre no Google Imagens e procure) e a extrema qualidade com que faziam sua música.

Mesmo sem recursos nos primeiros álbuns, via-se que a banda se destacava dentro do cenário clichê do Black Metal, que começou na Noruega no final dos anos 1980 e depois explodiu para o mundo. E isso perdura até hoje. A música feita por Abbath, Appolyon, e Horgh segue a mesma linha desde seu início: Extremismo musical, sem ser aquele tipo de som-ventilador. O corpse paint e a excelente performance dos músicos, tanto em estúdio, quanto no palco, é um atestado da supremacia de um dos reis do Black Metal.

Em All Shall Fall, a banda acertou em cheio ao não mudar radicalmente sua forma de escrever nem de tocar. As letras são diretas, sem floreios. A primeira faixa, homônima ao Cd, começa com Armed in the fires of combat, The end will come fast on this day, Stronger than the gods we fought, Triumphant for the dark prophecie.

O disco todo não se trata de um satanismo tosco e sem profundidade, como é normal em bandas atuais. Por outro lado, a banda não enveredou pelas bandas do Punk Rock, como outros pilares do Black Metal, como o Darkthrone e Satyricon fizeram, descaracterizando completamente sua sonoridade.

É exatamente esse aparente imobilismo que faz o Immortal ser tão cultuado. A banda parece ter parado no tempo, desde o começo dos anos 1990, seguindo a mesma prática até hoje. Mas, como eu fiz questão de frizar, é apenas aparente. A maturidade dos músicos é perceptível. Em The Rise of Darkness a banda consegue traduzir soa força e seu extremismo logo nos primeiros segundos da música. Bateria nas alturas; riffs sujos, uma má-produção para disfarçar, e um som direto, cortante, sem frescura.

Um viva para o conservadorismo. Um Hail para os mestres. Hail, Immortal!

Immortal - All Shall Fall

Vampire Weekend - Vampire Weekend (2008)

2009-10-08T07:27:00.001-07:00

Quando se pensa que o rock já esgotou suas possibilidades e caminha para uma débil e eterna repetição de si mesmo, com as bandas voltando no tempo para angariar novas ideias, eis que surge a porra do Vampire Weekend e caga pra todo esse revival. A primeira crítica que li sobre esse disco era no mínimo suspeita. "Mistura rock com ritmos africanos", dizia. Ritmos africanos? Que merda é essa? Outro Live Aid? Paul Simon e suas tarimbas world music? Sting convocando uns músicos do Quênia pra uma turnê? Youssou N'Dour ganhou um rival? Não. A parada aqui é autêntica.

A banda novaiorquina foi eleita por vários veículos como a grande revelação indie de 2008. E, de fato, eles fizeram por merecer. A fusão com os ritmos africanos não soa ridícula como se imagina. "Mansard Roof" pode assustar um pouco, com sua batucada meio axé, mas é só impressão. Aos poucos, os ecos da savana vão diluindo-se, tornando as músicas mais uniformes e coerentes. "M79" ficou até meio conhecida aqui no Brasil, pois foi incluída num comercial da Vivo. "A-Punk" e "Campus" são as mais elétricas do disco, onde os teclados ficam mais em segundo plano, dando espaço para as guitarras aparecerem. "Bryn", pra mim, é a música do Calypso. Não sei porque, só acho seu começo parecido com alguma coisa da banda paraense. Mas é uma música bonita, meio triste.

"I Stand Corrected" se encaixaria fácil numa trilha sonora de qualquer filme. E o disco encerra, num apropriado clima de despedida, com "The Kids Don't Stand A Chance". É umas das coisas mais divertidas que tenho pra escutar. E se eles ganharam todos os elogios possíveis da mídia especializada, foi por mero merecimento.

01. Mansard Roof
02. Oxford Comma
03. A-Punk
04. Cape Cod Kwassa Kwassa
05. M79
06. Campus
07. Bryn
08. One (Blake's Got A New Face)
09. I Stand Corrected
10. Walcott
11. The Kids Don't Stand A Chance

Vampire Weekend

Top 20 - #18 - Live - Mental Jewelry (1991)

2009-10-05T20:12:00.000-07:00

Como uma banda que começa uma trajetória se nomeia como "Black Bonzo"? De toda forma, vou checar.

Um clássico. Simplesmente um clássico. Em 1991, o chamado "Rock Alternativo" ainda não era uma alcunha muito usada, até onde eu sei. Nos EUA o mundo estava sendo sacudido pelo movimento Grunge, Nirvana, Pearl Jam, Alice in Chains num outro momento, entre outros. Eis que, em York, Pensilvânia, surge o Live. Formada no ano de 1989, por Ed Kowalczyk, Chad Taylor, Patrick Dahlheimer e Chad Gracey. Segundo Ed Kowalczyk, o nome da banda foi escolhido por acaso. Eles colocaram vários nomes no papel, dobraram e colocaram num boné. Live foi o nome sorteado. A maioria de suas músicas falam sobre questionamentos sociais, amor e liberdade.

Esse registro em questão é o primeiro da banda. Um marco na carreira do Live, Muitas das músicas são baseadas nos escritos do filósofo indiano Jiddu Krishnamurti. O indiano constantemente ressaltou a necessidade de uma revolução na psique de cada ser humano e enfatizou que tal revolução não poderia ser levada a cabo por nenhuma entidade externa seja religiosa, política ou social.

O som do Live, falando um pouco dele, é sem delongas. Rock/Pop clássico, com letras bem montadas, refrões grudentos ao extremo, que aparecem na sua cabeça quando você tá naquele ônibus cheio, e precisa de um desconto da vida desgraçada. Atualmente chamam o Live de Post-Grunge. Porra nenhuma. Guitarras melodiosas, aliadas ao excelente vocal do carequinha Ed Kowalczyk, fazem do Live um som para se ouvir em qualquer lugar. As canções diferem demais, e ao mesmo tempo têm identidade. Canções mais depressivas, mais velozes e agressivas. Tem pra qualquer freguês.

As duas primeiras faixas do CD são os maiores destaques. Pain Lies On the Riverside e Operation Spirit dão o tom da complexidade que você não espera de uma banda que faz um som aparentemente simples. Mirror Song é mais calma, melancólica. Introspectiva. E é assim que é ouvir o Live: Uma montanha-russa. Um disco fantástico, recheado de feeling e competência técnica. Como disse, clássico!

Live - Mental Jewerly

Black Bonzo - Operation Manual: The Guillotine Model Drama (2009)

2009-10-04T18:51:00.000-07:00

Boas novas vindo da Escandinávia, e não são sacrificadores de cordeirinhos que cantam em antigos idiomas pagãos e estupram ninfas no meio dos bosques. Apesar do nome de ração, o Black Bonzo desce redondinho. Na nova safra das bandas que andam enchendo a cara de rock progressivo, promovendo um revival dos 70's, o septeto sueco merece uma grande estrelinha na testa. Uriah Heep, King Crimson, Pink Floyd, tá tudo aqui, com aquela beleza de pegada hard rock que fazia a festa dos bangers da época. Tem um pé na temática nerd, mas sem levar a sério (mas também sem usar pra fazer figurino, como o Wolfmother).

O disco já abre com uma lapada fenomenal, na faixa-semi-título "Guillotine Drama". Já entram assustando e a faixa muito me lembra a igualmente sensacional "Aberinkula", com sua pegada meio circense, que, coincidentemente, abre o The Bedlam In Goliath, do Mars Volta. As bandas até tem algumas semelhanças no estilo (numericamente também), mas o Black Bonzo irá agradar a parcela que prefere um som mais limpo e menos caótico. O vocal de Magnus Lindgren tem um timbre parecido com o de Maynard James Keenan, do Tool.

Os interlúdios acústicos clássicos da década de 70 também estão presentes nesse álbum, como na faixa "War Machine". E é só petardo. Um discaço, pra ouvir junto com seu coroa cabeludo.

01. Guillotine Drama

02. Because I Love You

03. Zephyr

04. Sudden Changer

05. War Machine

06. Hou Do You Feel?

07. Tell Me The Truth

08. Nest Of Vipers

09. Supersonic Man

Black Bonzo - Black Bonzo - Operation Manual: The Guillotine Model Drama

Blind Guardian - Nightfall In Middle-Earth (1998)

2009-10-02T19:37:00.000-07:00

Literatura na música? Incoerente, algo que não pode acontecer. Impossível transmitir todo o significado de um texto consagrado em um punhado de melodias, não concorda? A banda alemã de Heavy/Power Metal Blind Guardian vai contra essa visão e incorpora uma das histórias mais complexas escritas por J. R. R. Tolkien, mesmo autor de "Senhor dos Anéis", em um trabalho único. Em "Nightfall in Middle-Earth", o livro "Silmarilion" é incorporado em 22 faixas que contam sobre a Guerra das Jóias e de Morgoth, primeiro senhor negro de Arda. O material foi um marco para o grupo em 1998. CD válido tanto para fanáticos pelos livros, quanto para fãs da banda e para pessoas que ainda não estão completamente familiarizadas sobre Tolkien.

O álbum definiu a carreira do Blind Guardian. Embora pesado nos interlúdios, "Nightfall in Middle Earth" é um disco forte que tem suas reviravoltas. Feito para ser escutado por completo, o sexto álbum da banda é talvez o melhor trabalho dos mesmos até hoje.

Com sua formação clássica, o Blind contou nesse disco, fora os músicos convidados, com Hansi Kürsch nos vocais, Marcus Siepen nas guitarras, Andre Olbrich nas guitarras de base e Thomas Stauch na bateria. Cada faixa do disco conta de forma cronológica os acontecimentos do Silmarillion. Em 1998 o uso de textos integrais em obras musicais era ainda pouco usado. Fora o Blind Guardian, talvez apenas o Summoning também se baseasse inteiramente em Tolkien.

A primeira faixa, War Of Wrath, por exemplo, fala sobre o conselho de Sauron a seu mestre Morgoth de fugir dos triunfantes valar na Guerra da Ira. Morgoth envia-o para longe e reflete sobre os acontecimentos que levaram à sua derrota. Toda faixa tem sua explicação. Mas isso não impede que quem não seja tão fã de Tolkien, como este que vos escreve, escute o disco. Essa obra-prima tem alguns petardos que se tornaram hinos dentro do Heavy Metal, como Into The Storm, Nightfall, Mirror Mirror, Time Stands Still, entre outros.

Do tempo que o Blind Guardian não fazia "música de elevador", esse trabalho mostra que o Power Metal não precisa ser gay, com coros que duram 10 minutos, e que pode sim ser direto, potente, e mesmo assim fazer uso de orquestrações e teclados. Os vocais de Hansi estão no auge, e a bateria de Stauch, que atualmente não está mais na banda, é matadora. O disco é completo. Um marco na música, e que está no hall dos melhores. Para o amante do bom Power Metal, obrigatório. Para o amante da boa música... Obrigatório?

Blind Guardian - Nightfall In Middle-Earth

Ataxia - Automatic Writing (2004)

2009-10-02T08:22:00.000-07:00

John Frusciante é um cara inquieto. O guitarrista do Red Hot Chilli Peppers mantém vários projetos solo paralelamente à banda. Um deles foi (de "não é mais") o Ataxia, que formou junto com Joe Lally, do Fugazi, no baixo e Josh Klinghoffer do The Bycicle Thief nas panelas. A banda teve uma carreira breve, durando dois shows e dois álbuns, escritos e gravados em duas semanas, porém com um intervalo de lançamento de 3 anos entre eles.

Sobre o som, é seco e direto. O bom e velho trio guitarra-baixo-bateria, sem firula. Muito lembra o Shellac, de Steve Albini, que em breve eu solto por aqui. É noise, guitarras agudas e baixo ribombante, pulando na caixa de tão grave. Todas as faixas tem uma levada pesada, lenta e arrastada, mas extremamente relaxante.

Frusciante aparece nos vocais em "Dust", "The Sides" e "Addition", enquanto Lally canta em "Montreal" e Klinghoffer assume o microfone em "Another". Não dá pra destacar nenhuma faixa, pois é um álbum homogeneamente bom. Mas a minha preferida é "The Sides". É uma pena o projeto ter sido descontinuado. Porque se eles conseguiram escrever um álbum acima da média em meras duas semanas (não ouvi o AW II, com o restante das músicas), ainda tinha muito coelho pra sair dessa cartola. Mas fica o registro.

01. Dust
02. Another
03. The Sides
04. Addition
05. Montreal

Ataxia - Automatic Writing

Top 20 - #19 - Therion - Gothic Kabbalah (2007)

2009-10-01T16:48:00.000-07:00

Taí, fiquei curioso pelo Silvio Rodríguez. Vou dar uma sacada e, se curtir, faço uma baladinha cubana, ai ai ai!

O Therion é uma banda, antes de tudo, imprevisível. Seja nas constantes mudanças em sua formação, que conta com o fundador Christofer Johnsson como único representante inicial. Fora ele, a banda é uma verdadeira concha de retalhos, com diversos músicos convidados ou contratados para turnês ou até mesmo gravação de discos oficiais de estúdio. O que poderia ser algo nocivo para qualquer outra banda, soou interessante no Therion. A banda sempre se reinventou, sempre buscou ultrapassar limites e, como sempre, ser original. Por mais paradoxal que essa última frase possa parecer.

Mas, mesmo imprevisível, a banda consegue deter algumas características que a classificam como "singular" ou "inovadora". Em 1989, lançando sua primeira demo, o Therion ainda era chamado de Blitzkrieg, e detinha uma sonoridade mais agressiva, mais relacionada com o Death Metal. A virada começou a acontecer em 1992, com o lançamento de Beyond Sanctorum, onde a banda começou a usar vocais limpos, teclados e instrumentos do Oriente Médio.

O álbum Theli lançado em 1996, consagra a banda como precursora de um novo estilo musical que ia além do Heavy Metal. As letras inspiradas em livros e vivências de Christofer, foram escritas muito tempo antes, mas a banda ainda não havia alcançado a maturidade necessária para que estas faixas fossem gravadas.

A partir daí, a banda começou a mesclar algo que era incomum para a época: Orquestras sinfônicas como parte integrante do disco, e não como "participação especial", além de cantos gregorianos e coros medievais. Na metade da década de 1990, isso ainda era visto como novidade e desconfiança. O Therion, entre outras bandas, foi a banda responsável pela disseminação dessa fusão do Heavy Metal com outros gêneros musicais.

O Gothic Kabbalah não é o melhor disco do Therion, mas é um marco na carreira da banda, pelo supremo uso de orquestrações, e do vocal potente de Mats Levén, consagrado vocalista, que tem uma participação espetacular no CD. O disco é uma fusão de tudo o que a banda já usou, ao longo de 20 anos de estrada: Passagens Black Metal; pura música clássica, música ambiente, gestas medievais.
Ouvir o Therion é sempre uma redescoberta, a cada acorde. Quem der uma sacada nisso, vá com certeza que não ouvirá clichês.

Disco 1
Disco 2

Top 30 | #29 | Silvio Rodriguez - Cuando Digo Futuro (1977)

2009-09-30T18:25:00.000-07:00

Antes de lançar seu primeiro disco, Dias Y Flores, o cubano Silvio Rodriguez já havia composto dezenas de canções, nas décadas de 60 e 70. Grande parte delas foi escrita enquanto esteve trabalhando durante 5 meses de 1969 em um barco de pesca. E esse período está registrado nesse álbum - que não consta na discografia oficial, mas é - entitulado Cuando Digo Futuro, onde ele viaja entre a tradicional e suingada música cubana e o rock, prezando pelo intimismo do movimento da Nueva Trova Cubana, do qual fez parte e seria o equivalente à bossa nova ou a tropicália. E junto com seu comparsa Pablo Milanes, formavam uma espécie de Gil e Caetano hispânicos.

O disco abre com "Ojala", talvez seu maior sucesso. A letra é espetacular, na sua dicotomia atração-repulsa:

Ojalá se te acabé la mirada constante, la palabra precisa, la sonrisa perfecta

Ojalá pase algo que te borre de pronto

Una luz cegadora, un disparo de nieve

Ojalá por lo menos que me lleve la muerte

Para no verte tanto, para no verte siempre

En todos los segundos

En todas las visiones

Ojalá que no pueda tocarte ni en canciones

Depois passa para a roqueira "Fusil Contra Fusil", feita em homenagem a Che Guevara (a música fecha a parte I do filme). Daí, segue para a homônima "Cuando Digo Futuro", que é uma delícia, um suingue raro, impossível de manter os pés parados. E quando ela acaba e você pensa que vai sentar pra descansar, eis que chega "Cancion De La Nueva Escuela" e seu clima de cabaré. Na sequência, aparece "Era Esta Pariendo Un Corazón", mais um rockzinho para Che. O disco também tem minha música preferida dele, "De La Ausencia Y De Ti", que tem uma letra épica, perfeita. E fecha com a emocionante "De Una Vez", num dueto de Silvio com Pablo Milanés.

01. Ojala
02. Fusil Contra Fusil

03. Cuando Digo Futuro
04. Cancion De La Nueva Escuela

05. Era Esta Pariendo Un Corazon

06. Cancion Del Elegido

07. De La Ausencia Y De Ti, Velia

08. Oveja Negra

09. Cuba Va

10. De Una Vez

Pega aí: Sílvio Rodriguez - Cuando Digo Futuro

Vintersorg - The Focusing Blur (2004)

2009-09-28T18:09:00.000-07:00

Detesto Beatles e, por tabela, detesto quem se inspira nos Beatles.

Andreas Hedlund, mais conhecido como Vintersorg, é mais um exemplo desses músicos prolíficos que existem dentro da música, e que conseguem ter uma carreira bem diversificada, nos projetos de sonoridade mais diferentes entre si que se pode imaginar. Vintersorg trabalha ou trabalhou em, pelo menos, 8 projetos diferentes. Alguns com uma repercussão imensa dentro do Metal, como o Borknagar, seu projeto homônimo, ou o Otyg. Todos totalmente diferentes, mas que mostram, ainda sim, a genialidade e técnica deste músico sueco.

Vintersorg escapa um pouco ao estigma que acabou recaindo sobre a Suécia, como um país exportador de bandas de Death/Black e, num momento posterior, no celeiro de bandas do chamado Melodic Death Metal, que tem como maiores representantes, entre outros, Arch Enemy, In Flames e At The Gates. Ele é um músico que passeia do Black Metal Sinfônico do Borknagar, até o experimentalismo Folk do "Vintersorg". Sempre buscando inovações e sem medo de arriscar, Vintersorg pode ser chamado de tudo, menos de repetitivo.

O disco analisado aqui em questão é o 5º da carreira desse projeto que, fora o Borknagar, é o mais conhecido do músico. O ideal seria ouvir desde o primeiro registro, porque nenhum trabalho de Vintersorg é igual ao outro. Muito pelo contrário, é sempre uma descoberta, mesmo para os fãs mais ardorosos, ouvir cada novo trabalho. Nesse trabalho, o músico explora as teorias científicas e sociológicas a respeito da criação do universo, bem como a visão popular a respeito de tal temática. Um pouco de cosmogonia, astronomia, são claramente perceptíveis.

Microscopical Macrocosm e Dark Matter Mystery (Blackbody Spectrum) são as duas melhores faixas do CD, falam, como se pode perceber nos títulos, sobre matéria escura, e um pouco sobre a teoria das cordas, que tenta explicar a origem e a disposição do universo. Tudo isso regado ao uso dos mais diversos instrumentos musicais, como sintetizadores, saxofones e violinos, isso pra citar alguns. Os vocais perambulam entre o gutural e o rasgado, até músicas praticamente declamadas, bem como passagens de tratados sobre astronomia.

As guitarras, além do uso dos sintetizadores, já mencionado, são protagonistas, com afinação alta, chegando a agudos absurdos, mas sem abusar dos solos. Mas o mais característico de tudo é simplesmente o vocal de Vintersorg. Não dá pra explicar. Você tem que ouvir. Uma obra prima da música experimental.

Veredicto do Paulo
O cara que não gosta de Beatles só pode ser revoltado mesmo. Fica ouvindo essa galera cujos nomes são impronunciáveis, moram em casas sem janelas e sem luz e tem altares para São João de Lucifer. Esse eu vou fazer questão de baixar pra sacar qual é. Se ele começar com essa frescura de cantar feito porco, eu paro.

Here!

Sean Lennon - Friendly Fire (2006)

2009-09-27T09:31:00.000-07:00

É, eu hei de concordar com o post do Alice In Chains. Tenho que respeitar uma das bandas do quadrilátero grunge de Seattle, sendo ela da linha mais metal, como o Soundgarden. Mas depois que Layne Staley morreu, qualquer coisa que tentem depois vai me parecer puro caça-níqueis. E a carreira solo de Cantrell, não deu certo? Eu até curtia os discos dele, mas parece que ele tava meio liso. Enfim, vamos ver no que dá.

Sean Lennon. Fui conhecer o som do cara por acaso, quando minha namorada me passou um link do YouTube de um vídeo do Smiths, e lá nos relacionados tinha o clipe de "Dead Meat", música que abre esse excelente disco. Fui dar uma sacada por curiosidade. Sim, eu sabia que o rapaz existia, mas sempre fui reticente em relação à sua existência, simplesmente por ele ser o filho do ômi, nada menos que o cara que compôs "Strawberry Fields Forever", entre outras. Daí, pra ser filho do ômi tem que sofrer nesse mundo. E foi com uma surpresa comovente que eu descobri que o cara É bom. Não bastasse isso, a voz dele é simplesmente igual à do pai. E a semelhança física também impressiona. É um John Lennon de olhos puxados, e felizmente essa foi a única coisa que ele puxou de Yoko.

Pois, o cara é um artista completo. Canta, toca todos os instrumentos possíveis, produz, escreve, pinta, a porra toda. John ("Blasphemy! He said it again!") tem outro filho, o primogênito, Julian (ele é o Jude de "Hey Jude"), mas esse é fraco e nem merece menção. Sean enveredou para o lado mais experimental da música, bebendo de todas as fontes possíveis, incluindo (muita) música brasileira, tendo os Mutantes como uma de suas bandas favoritas. Esse Friendly Fire, seu terceiro disco, é considerado seu trabalho mais maduro. Pra mim, o mais homogêneo e depressivo. São melodias pop bem suaves pontuadas por guitarras tristonhas. Muito me lembrou o Diorama, do Silverchair, em seu romantismo exacerbado. Mas o disco tem seus momentos mais alegrinhos, como em "Spectacle", a baladinha mais caramelada daqui. "Tomorrow" segue a mesma linha, mas parece música de sala de dança de cruzeiro. "Headlights" poderia ter facilmente saído de "A Hard Day's Night".

Mas é em faixas como "Would I Be The One", "Dead Meat" e "Friendly Fire" que ele mostra sua personalidade, destoando do próprio pai. "Falling Out Of Love", a faixa que encerra a bolacha, começa bonitinha, baladinha, pianinho, mas vai ganhando ares dramáticos ao chegar no refrão, com um riff suicida de guitarra.

Sem dúvidas, um dos melhores discos da ala alternativa dessa década. Se não for pra baixar por ele, Sean, que baixe pelos zigotos do sobrenome em questão.

01. Dead Meat

02. Wait For Me

03. Parachute

04. Friendly Fire

05. Spectacle

06. Tomorrow

07. On Again, Off Again

08. Headlights

09. Would I Be The One

10. Falling Out Of Love

Baixe, afinal, é o filho do ômi: Sean Lennon - Friendly Fire

Alice In Chains - Black Gives Way To Blue (2009)

2009-09-27T07:22:00.001-07:00

Bora deixar as crianças no jardim e falar de gente grande?

Apenas o nome em cima do encarte dá uma idéia da importância desse CD. É história pura. Depois de mais de 10 anos sem um registro oficial de estúdio, o Alice In Chains está de volta! A banda do lendário ex-vocalista Layne Staley, morto por overdose em 2002, retorna com o competente Black Gives Way To Blue, tendo em sua formação William DuVall nos vocais; Jerry Cantrell (é, aquele); Mike Inez no baixo e Sean Kinney na bateria. O disco, naturalmente, foi cercado de grande expectativa. Ainda existe espaço para uma banda grunge atualmente? A própria pergunta já soa errada. O Alice In Chains é muito mais do que uma simples banda grunge. A sua originalidade, coisa que eu bato muito nas bandas que comento aqui, é evidente. Esse disco mostra o constante flerte com o Heavy Metal e com o Rock Alternativo.

A primeira faixa do disco, All Secrets Known, tem uma sonoridade total início dos anos 1990, total Seattle: riffs arrastados, lentos e introdutórios, vocal "descompromissado" de DuVall e um show da bateria de Kinney. Já a segunda, Check My Brain me fez lembrar na hora de Man In The Box, mas sem soar repetido ou clichê. A letra, por sinal, é sensacional: So I found myself in the sun, oh yeah /A hell of a place to end the run, oh yeah!

Esse, aliás, é uma das maiores virtudes desse disco. Ele consegue dizer que É um autênico Alice In Chains logo nos primeiros acordes, mas sem soar mais-do-mesmo, fato muito comum em bandas que retornam depois de algum tempo no limbo.

A criatividade está em alta. O disco tem músicas para todos os gostos. Grunge, autêntico Heavy Metal, riffs de psicodelia pura e um vocal que, se não é igual ao de Stanley (nem poderia) conseguiu, já no primeiro registro de estúdio, encontrar sua própria identidade, encontrando a harmônia necessária para o que a banda se propõe.

A terceira faixa, Last Of My Kind, é violenta. Os vocais continuam arrastados, técnicos (DuVall é realmente um espetáculo a parte. Que achado!), mas os riffs são mais crus, na veia do Metal Tradicional. Não irei descrever faixa a faixa aqui. Essas três primeiras foram apenas para dar o aperitivo de um disco que não pode faltar no acervo de todo bom ouvinte de Rock. Não se pode dizer que o disco é excelente. Afinal, para uma banda que tem Dirt e Facelift, tem que ser monstruoso, mas poderia ser o marco de qualquer outra banda menor.

Grande disco. A altura da banda. Difícil de ouvir nas primeiras vezes. Mas insista. E claro, escute a última faixa, homônima ao álbum, e se delicie com Elton John como convidado especial, nos teclados. Nikita!

Alice In Chains - Black Gives Way To Blue
Senha: uouwww.com

Cold War Kids - Robbers And Cowards (2006)

2009-09-25T19:16:00.000-07:00

Istivuilson é um pederasta. A demagogia dele em algumas letras enche o saco. Por isso, vou colocar uma banda mais adequada aos bons costumes da sociedade. A americana Cold War Kids tem um som peculiar. Pela voz aguda e batida estacada, eu diria que a banda que mais se aproxima ao estilo deles é o White Stripes. Mas os meninos da guerra fria são mais trabalhados. O piano/teclado adiciona uma suavidade mais pop às suas músicas, que soam meio anos 70, com um pé na Europa. Bateria e baixo abafados completam o ambiente e ribombam na segunda faixa, "Hang Me Up To Dry". "Tell Me In The Morning" soa complemante deslocada no tempo, uma coisa meio Londres '79. "Passing The Hat" tem algo meio de cigano, pra mim. É uma delícia. "Saint John" parece uma canção tradicional irlandesa. "Hospital Bed" é minha preferida do disco, com seu clima de hospital vazio. Na verdade, ignorando a letra, dá a impressão de um cara que cagou no pau e ninguém quer visitá-lo. Ela é triste, muito triste. "Red Wine, Sucess" é como se fosse a saída do cara do hospital e sua comemoração solitária em casa, mandando todos tomarem no reto. Ele, então, enche a cara e em "God, Make Up Your Mind" chega a lombra.

Um bom disco, nada de excelente, mas bastante divertido. Vale gastar uma horinha nele de vez em quando, sem dúvidas.

01. We Used To Vacation

02. Hang Me Up To Dry

03. Tell Me In The Morning

04. Hair Down

05. Passing The Hat

06. Saint John

07. Robbers

08. Hospital Bed

09. Pregnant

10. Red Wine, Sucess!

11. God, Make Up Your Mind

12. Rubidoux

Segura essa, malandro: Cold War Kids - Robbers And Cowards

Blackfield - Blackfield (2004)

2009-09-23T17:21:00.000-07:00

Dizem que uma música boa ultrapassa qualquer classificação ou rotulação reducionista. Isso vale, também, de modo geral, para bandas ou determinados artistas. Isso vale duplamente para esse post. O Blackfield, que se iniciou em 2000, é uma colaboração do músico e produtor musical inglês Steven Wilson, juntamente com o músico e compositor israelense Aviv Geffen. O som da banda ultrapassa as barreiras da rotulação convencional.

A banda toca uma música Pop de excelentíssima qualidade, combinando elementos de música Folk inglesa (Perfect World), Metal tradicional (Once) em determinados riffs, além do uso de instrumentos do Oriente Médio, o que deixam a sonoridade ainda mais atraente. Essa profusão de ritmos se deve, em muito, ao universo quase infinito de atuação dos dois músicos. Steven Wilson é produtor de grandes bandas no cenário Metal, como o Opeth, Katatonia, além de participar (e comandar) diversos outros projetos musicais, em vertentes distintas, como o No-Man (música ambiente), Porcupine Tree (Rock Psicodélico e de diversas influências), Orphaned Land (produtor), além de outros 3 ou 4 projetos de menor expressão.

O Blackfield tem dois discos lançados. Um disco homônimo, de 2004, e Blackfield II, de 2007. O primeiro, que é o que está sendo analisado em questão, detem uma sonoridade um pouco mais melódica do que o segundo, que soa mais agressivo e com mais influências do Rock 'n' Roll/Metal. Esse primeiro material, segundo Steven Wilson, remonta ao primeiro encontro que tive com o Aviv, onde vimos que nossas concepções acerca de música batiam de forma significativa, e começamos o projeto.

O que se percebe quando se ouve o disco apenas uma vez, é uma explosão criativa, com letras de cunho pessoal, falando acerca de desilusões, sociedade, amores e a força da amizade em momentos de decepções, além da vida em sociedade em geral. O Blackfield é uma prova cabal de que música Pop (considerada mais "acessível" musicalmente, embora eu não saiba muito bem o que isso quer dizer) não precisa ser entupida de peitos siliconados (nada contra eles) nem parcerias com rappers com dentes de ouro (tudo contra eles), e não precisa ser recheada apenas de "baby" ou afins.

Pode sim ser prolífica, criativa e bastante bem produzida. O disco ganhou diversos prêmios quando foi lançado, o que, para um projeto que tinha por intenção ser apenas um "desafogo" dos dois músicos, é bastante recompensador. Músicas como Open Mind, Blackfield, Hello e Pain dão a cara do que é a banda. Não existem líderes ou hierarquias. Uma hora, Steven Wilson canta, outra hora, Aviv Geffen, outra hora, ambos. É tudo muito harmônico e sincero, e isso, obviamente, transparece para quem ouve.

Uma música sincera, recheada de feeling, e com músicos completos e técnicos. O Blackfield é uma de minhas bandas preferidas. Dê uma sacada, e se gostar, entre no mundo paralelo de Steven Wilson.

Download here.

The Baseball Furies (2008)

2009-09-23T12:59:00.000-07:00

Dá pra mim, não. Esse som aí de baixo é de um mundo onde Tolkkien bota o terror e picha nas muralhas dos castelos: "Frodo comanda". Não, não. Eu gosto do mundo real. Mesmo que esse seja na Argentina, onde fazer-lhe um elogio equivale a um pacto com o tranca-rua. Mas preciso admitir que os coitados tem lá seu valor musical. E uma das marav... bandas razoáveis daquele descampado chama-se The Baseball Furies. Nada de elfos, feiticeiros, magos, hobbits, faggots. Só gente do espaço, o bom e velho povo alien. Mas atemos-nos ao som. Coisa fina, ainda mais se considerarmos que é feito por uns pirralhos sub-20. Inspirados pelo space-rock de monstros do gênero como o Spiritualized e o Spacemen 3, eles criam um clima denso, com muitos reverbs e delays e guitarras preenchendo toda a abóbada celeste (profundo). Essa é uma das melhores bandas que ouvi nos últimos anos. Enchi o saco do pessoal do Coquetel Molotov para trazer os pibes à Recife. Eles - o Furies - enchiam o meu, perguntando se havia mesmo alguma chance. Fica pra próxima.

Tem algo de anos 80 no som deles. Som de cartazes cheios de neon, de futuro, de cometa Halley. Tem gosto de Atari, de nostalgia, de joystick de manche. Estrelas no teto do carro, viajando na velocidade do som. Ah, a manjada velocidade do som, sinônimo de raios laser atravessando o carro. A bateria ecoa por todos os lados. O vocal pós-puberdade não é grande coisa, mas se encaixa no perfil. "Landscape", "Star Dealers" e "Escape From Popperland" prezam pela atmosfera. A última, na minha pouco humilde opinião, é a melhor do EP. "Adeus, planeta Terra. Preciso retornar à minha terra natal. Obrigado pelo conhecimento adquirido". "The Sad Mercurian" é uma balada inocente, mas com refrão forte e pegajoso, enquanto "A Rather Aggressive Atmospheric Fluctuation" é a mais balançante do disco, com suas guitarras dobradas, multiplicadas.

Um dos melhores sons para se ouvir deitado no chão numa sexta-feira solitária. Certamente você não se sentirá só. Uma obra-prima - quem diria - argentina.

01. Landscape
02. Star Dealers
03. The Sad Mercurian
04. A Rather Aggressive Atmospheric Fluctuation
05. Escape From Popperland

Pode baixar no site da gravadora: The Baseball Furies

Iced Earth - Alive In Athens (1999)

2009-09-23T07:38:00.000-07:00

Nego acha que só porque a banda foi uma das primeiras a usar sintetizadores e outros instrumentos incomuns à época, quer dizer que o fizeram com maestria. Muito pelo contrário. Os primeiros exemplares de um movimento sempre são toscos ou, no mínimo e obviamente, inexperientes. Uma sonoridade que parece um baile de carnaval; tudo muito "feliz", que causa enjôo (foda-se a reforma ortográfica) com apenas alguns minutos de audição.

Se é pra falar em vanguardismo, falemos num CD que, proveniente de um show épico, transformou-se no maior registro ao vivo do Metal até agora. O Iced Earth é uma banda norte-americana, que passou por muitas mudanças em sua formação ao longo de seus 24 anos de carreira. Mas a espinha dorsal da banda sempre se manteve em seu "dono", o marrento, porém espetacular guitarrista Jon Schaffer. Mas, sem dúvida, a melhor época da banda, seu auge técnico e criativo se deu com a parceria de Jon com o vocalista Matt Barlow. Juntos, gravaram clássicos do Heavy Metal, como The Dark Saga, Something Wicked This Way Comes e Horror Show.

Mas sem nem pestanejar, a coroação da banda veio no show em Atenas, Grécia, no ano de 1999. Um show de mais de 3 horas de duração, que serviu como uma retrospectiva do Iced durante todos os anos de caminhada. A banda revisitou toda a sua carreira, com hinos como A Question of Heaven, Watching Over Me, Angels Holocaust, Dark Saga, The Hunter, Dante's Inferno, entre outros, tendo o show um resultado tão esplêndido, que o mesmo foi transformado em DVD, tendo apenas três câmeras funcioando durante o show, o que garantiu uma produção extremamente porca, tendo o desagravo de Jon Schaffer. Mas é compreensível: Um registro autêntico, de uma banda que, ao contrário de outras, não precisa de nada mais do que um palco, instrumentos musicais, e vontade de tocar. O Iced Earth, nesse show, mostrou a verdadeira essência da música: Honestidade e respeito pelos fãs, e pelo trabalho realizado.

Riffs potentes; o vocal de Barlow no seu auge, sendo o mesmo considerado o melhor vocalista de Heavy Metal do ano de 1999 por revistas especializadas e até mesmo por fãs de outras bandas, e a formação daquela época extremamente entrosada, com Matt Barlow nos vocais, Larry Tarnowski nas guitarras solo, Jon Schaffer nos backing vocals e guitarra, o grande James MacDonough no baixom, Brent Smedley na bateria, Rick Risberg nos teclados, fizeram o sortudo público grego delirar.

Uma espécie de "cereja no bolo" de uma banda que sofreu demais pelo egocentrismo de seu líder e, como consequência disso, constantes mudanças de formação. Mas que, nesse registro, conseguiu demonstrar, que com o básico (?) pode-se produzir monstros musicais. Se você curte um som autêntico, sem frescuras alternativas e alegrinhas, procure esse material do Iced e, se gostar, pegue o ao vivo. E quando ouvir A Question of Heaven, entenda o que estou dizendo.

Alive In Athens: 1, 2, 3, 4, 5, 6

King Crimson - Lizard (1970)

2009-09-22T07:12:00.000-07:00

Progressivo blablabla. Uns carinhas plagiando música celta do século XII e achando que fazem algo grandioso. Um bando de nerd que, não bastasse evocar umas bruxas e deuses pagãos, ainda se vestem como há 800 e tantos anos atrás. Vão ali jogar meia hora de RPG.

Essa vertente trovadora do progressivo eu ignoro. Não acrescenta nada. O estilo surgiu como algo inovador, não apenas fundindo a música clássica ao rock, mas desenvolvendo um extenso trabalho de composição que incluía constantes variações de tempo, utilização de instrumentos sinfônicos de cordas e metais e utilização de cálculos matemáticos, o que produziu, principalmente nos anos 70, canções tecnicamente riquíssimas.

Muita gente fala do Pink Floyd, do Yes, do Jethro Tull, do Genesis e acaba deixando de lado a melhor banda do gênero: King Crimson. Eles possuíam todas as características supracitadas e, como se não bastasse, eram excelentes músicos (tá, eles ainda tocam, mas estou me referindo aos anos 70). Enquanto o Yes parecia confortável em seu lugar-comum e com um vocalista irritante, o Pink Floyd soava demasiadamente pop, o Tull mais parecia uma caricatura de seu vocalista e o Genesis perdia terreno com a saída de Peter Gabriel, o Crimson, com todas as mudanças de formação, sempre soava diferente, como se fosse uma nova banda a cada disco.

Lizard é o terceiro álbum do King Crimson e, pra mim, o mais divertido. Aqui, eles abusam do uso de sintetizadores, mellotrons e muitos metais, deixando as guitarras em segundo plano. O disco começa com o ar grave de "Cirkus", com seus violões e metais, pero sin perder la ternura. O trompete no final da música é sensacional. "Indoor Games" é uma das minhas 5 músicas preferidas deles, a começar pelo título inusitado. Ela parece um dia de domingo no parque, com a família fazendo piquenique em cima da toalha quadriculada. "Happy Family", logo, acaba sendo uma continuação, com o mesmo clima ameno. "Lady Of The Dancing Water" é mais melódica e tranquila, como o fim da tarde do domingo. "Lizard" é o grande épico que fecha o álbum, com seus 23 minutos. A música viaja por várias trilhas, pequenas músicas dentro dela mesma.

Sem dúvidas, um dos melhores e mais curiosos álbuns do Crimson, pela sua ousadia, sua inovação. Enquanto outras bandas estavam mais preocupadas em reciclar, eles, sob a tutela de seu dono, Robert Fripp, quebravam a cabeça para criar.

01. Cirkus
02. Indoor Games
03. Happy Family
04. Lady Of The Dancing Water
05. Lizard

King Crimson - Lizard

Top 20 - #20 - Falkenbach - Heralding: The Fireblade (2005)

2009-09-21T15:07:00.000-07:00

Já que o amante de nigga Hip-Hop começou a dissecar seu Top-Top, com bandas indie e metidas a progressivas, também entro na onda. Puta coisa de quem via o Top-Top da MTV, muito provavelmente só por causa da tetéia da Marina Person.

Esse meu Top-20 é feito com base nas bandas que mais ouvi, de 2004 pra cá. Claro que, entre elas, estão as minhas bandas favoritas, mas esse critério é apenas o da audição. Portanto, vai a vigésima banda mais ouvida.

Não se conhece progressivo, na real acepção da palavra, até ouvir qualquer trabalho do Falkenbach. A banda é islandesa, mas a atual residência do one-man-band é na Alemanha. Isso, a banda tem apenas um integrante. Vratyas Vakyas é o compositor, produtor e mentor de todo o trabalho da banda, da música ao encarte.

O Falkenbach começou em 1989, e até 1995 apenas 3 demos haviam sido lançadas. Mas, apesar disso, o som da banda se caracteriza pelo apego à cultura popular nórdica e pela originalidade. Apesar de muitas das músicas serem escritas em inglês, a maioria das composições rementem ao escandinavo antigo, Latim e alemão arcaico, tornando assim o som ainda mais peculiar e atraente.

Vratyas classificou seu som como "Folk/Viking, com mesclas de Black Metal dos anos 1990."Eu discordo do criador, e dane-se se o mesmo não concorda. O Falkenbach bebe muito também da música clássica, principalmente em Richard Wagner, no seu Anel do Nibelungo, como também em canções populares nórdicas. O trabalho é classificado como "Folk" justamente por isso. Folk advém de "Folklore".

O som busca, de forma uniforme em todos os trabalhos, retratar mitos antigos da Escandinávia, sempre com o uso de muitas flautas, gaitas e passagens atmosféricas, fazendo um singelo uso de sintetizadores. Heralding: The Fireblade é o último trabalho da banda, de 2005. Vratyas, apesar do hiato de quase 5 anos, diz que está trabalhando em um novo álbum, mas que o mesmo não tem data pra sair. Afinal, de que adianta ser prolífico e lançar mais-do-mesmo? Cada obra do Falkenbach é uma obra de arte, que demora a ser entendida, mas que é imediatamente apreciada.

Um som único, que une música clássica, canções populares e Black Metal, trazendo nessa profusão de estilos aparentemente insoluvéis, sua maior característica. Canções como Havamal ou Heathen Foray trazem a tona todo o embate dos povos nórdicos, quando sua cultura entrou em contato com o Cristianismo, ainda na Idade Média, e como foi esse processo de aculturação. Ouvir Falkenbach é, ainda por cima, uma aula de História. Mas se você não quer ter aula enquanto escuta uma música foda, não se preocupe: Simplesmente deixe a sonoridade de Vratyas adentrar seus ouvidos, sem maiores preocupações, e sinta-se dentro de um uma outra realidade.

"Heathen Foray"
"...Of Forests Unknown..."
"Havamal"
"Roman Land"
"Heralder"
"Laeknishendr"
"Walkiesjar"
"Skirnir"
"Gjallar"

Download? Manda bala!

Meu Top 30 | #30 | Morphine - Yes (1995)

2009-09-21T07:38:00.000-07:00

Antes que os carnívoros do metal baixem por aqui de novo, vou soltar um clássico do cancioneiro norte-americano. Música de VERDADE, sabe? Porque essa galera acha que ganha quem grita mais alto. Eu acho que isso funciona só até a 5ª série. Pois, o Morphine foi uma das bandas mais prolíficas dos anos 90. Mark Sandman era a grande cabeça por trás da grande sacada da banda, que era misturar jazz e blues ao rock. Até aí, nada original. Mas trocar a guitarra por um saxofone e manter a pegada é um feito memorável. E eles conseguiram isso com maestria.

Sandman era o baixista da banda e costumava tocar seu instrumento (o baixo) com apenas duas cordas. E ainda assim, o som saltava gravemente, com técnica refinada. Já tinha ouvido falar do Morphine desde a época que eles ainda tocavam, mas só resolvi ouvi-la há dois anos atrás, pois antigamente tinha preconceito - quase um TOC - com bandas que não tinham guitarra.

Esse é o terceiro da banda e, na minha opinião - que aqui tem valor divino - o melhor dos caras. Se eu fosse eleger um disco para passar uma noite inteira na base do whisky - bebida que não passa pela minha laringe - certamente seria esse. Afundaria numa poltrona gigante, com aparador ao lado e uma garrafa de Jack Daniel's. O Morphine, aqui, consegue ir do depressivo ao dançante com um simples toque no FF do seu som.

A faixa que abre o disco, "Honey White", é das mais agitadas e animaria qualquer festa. "Scratch" é divertida, mas começa a ter uns traços de melancolia. "Radar" tem uma batida sólida, pesada. Em "Whisper" a pressão começa a cair e você começa a se sentir só, com seu copo quase sem gelo. O piano grave faz você querer ligar para a recepção do flat e pedir para ficar conversando com a recepcionista. A faixa-título é quase uma vinheta, bem divertida. Já dá pra levantar, estalando os dedos, e pegar um tubo de Pringles. "All Your Way" é bem pra cima e tem um riff legal de sax. "Super Sex" é minha preferida. O refrão dá vontade de bater cabeça com o copo na mão, derramando tudo no chão. Totalmente sex, drugs & rock n' roll, literalmente. É onde o vocal de Sandman mais se destaca no disco. "I Had My Chance" vai lhe nocautear de volta pra poltrona, pra encher o copo que derramou no carpete. É, de longe, a música mais melancólica do disco. Se você não virar o copo até o fim da música, vai chegar até "The Jury", a faixa experimental, nada mais que Sandman falando a letra com um fundo musical distante. E esse fundo, com a interpretação dele, dá um ar cinematográfico e perturbador à canção. Muito boa. "Sharks" é a próxima, anunciando a parte final do disco. É a mais veloz que você vai ouvir. "Free Love" é a que mais se aproxima de um metal. Ela é lenta, densa e arrastada, levada o tempo todo na condução da bateria. E, pra encerrar o pão sírio, "Gone For Good" é a balada que tira todo o peso das outras 11 faixas e faz você levantar da poltrona para escovar os dentes e ir dormir.

Mark Sandman morreu durante um show na Itália, em 99, aos 46 anos, vítima de um fulminante ataque cardíaco.

01. Honey White
02. Scratch
03. Radar
04. Whisper
05. Yes
06. All Your Way
07. Super Sex
08. I Had My Chance
09. The Jury
10. Sharks
11. Free Love
12. Gone For Good

Vale o download: Morphine - Yes

Army Of The Pharaohs - Ritual Of Battle (2007)

2009-09-20T12:45:00.000-07:00

Aí o cara acha que uns sujeitos que fazem cosplay de vampirinhos metem medo em alguém. Esse Powerwolf tá mais pra fantasia de halloween de festinha de cursinho de inglês. Reverenciar Satanás, beber sangue e matar cordeiros são clichês ultrapassados. Isso não assusta mais ninguém, só as mães beatas dos pobres filhos que ouvem isso. Quer som pra botar medo, sentir a real? Army Of The Pharaohs.

Odeio hip-hop. Acho uma coisa repetitiva e sem criatividade musical alguma. Mas os carinhas aí fazem hip-hop do mal, não aquele hip-hop de rico, com os negões esbanjando suas pratas e Lamborghinis. O grupo é atualmente formado pelos MC's Paz, Kamachi, 7L & Esoteric, Outerspace, Apathy, Celph Titled, Reef the Lost Cauze, Des Devious, Faez One, Jus Allah, Doap Nixon, Demoz, King Magnetic e King Syze. É, gente pra caralho.

A temática é aquela mesma de sempre, girando em torno do próprio universo do ghetto deles, das disputas, dos rivais, do preconceito e afins. Mas o que impressiona é a riqueza dos samplers, das composições. Vai desde o funk-motown-style em "Dump The Clip" à ótima sacada de pôr uma música do jogo Castlevania no fundo de "Bloody Tears".

É som pra causar, mano. Seus vizinhos certamente não vão gostar. A parada é pesada.

01. Swords Drawn

02. Time To Rock

03. Dump The Clip

04. Black Christmas

05. Blue Steel

06. Gun Ballad

07. Strike Back

08. Frontline

09. Through Blood By Thunder

10. Murda Murda

11. Bloody Tears

12. Seven

13. Drama Theme

14. Pages In Blood

15. D And D

16. Don't Cry

Baixa aí: Army Of The Pharaohs - Ritual Of Battle

Powerwolf - Bible of the Beast (2009)

2009-09-20T12:05:00.000-07:00

Para começar, uma análise do disco Bible Of The Beast, da banda alemã de Power Metal Powerwolf. Apenas nessa frase, uma respeitável penca de clichês dentro do Metal pode ser vista e analisada. O título, mais chavão impossível; Power Metal, gênero que (sob a minha ótica) é o mais enjoativo e mais-do-mesmo dentro do Metal, principalmente sendo proveniente de uma banda alemã, que conta com representantes famosos como Rage, Sinner, Grave Digger, entre outros. Ou seja: tinha tudo para ser mais um disco animado, metido a másculo, que passaria desapercebido.

Mas não o Powerwolf. A "Bíblia da Besta" é o terceiro trabalho da banda num intervalo de 4 anos, fato esse que demonstra uma profusão criativa dos mesmos. Os outros dois trabalhos dos lobos, Return in Bloodred, de 2005, e Lupus Dei, de 2007, seguem uma linha constante: Coros, riffs do mais clássico Heavy Metal, um vocalista poderoso (Attila Dorn) e um visual, digamos, chamativo.
Mas, mesmo com os elementos clichês (ou clássicos, dependendo de quem olhe) presentes, o trabalho da banda é digno de aplausos.

Os músicos parecem estar num estado dúbio de galhofa e seriedade. Galhofa pelo vestuário e pela temática da maioria de suas composições: Vampiros. Letras como a de "Vampires Don't Die", do segundo trabalho, dão a exata temática do que se trata o Powerwolf: Músicos excelentes, técnicos e competentes, composições recheadas de feeling e inspiração, como já foi dito mais acima. E seriedade pela produção do CD, a começar pelo encarte, de extrema qualidade, e a produção e mixagem do disco: Impecáveis. O vocalista Attila Dorn é um caso a parte. Alcançando notas altíssimas, sem cair no chatíssimo estilo dos vocalistas de bandas de Power acima citados (e se você quiser enquadrar bandas medonhas como Gamma Ray, e qualquer coisa que envolva Kai Hansen, à vontade), que parecem tentar colocar algo de cilíndrico em seus retos.

Attila canta com potência, suavidade e força, mas sempre em perfeito equilíbrio com os demais integrantes da banda, como também os coros. Equilíbrio, por sinal, parece ser a tônica do Powerwolf, a exceção de sua vestimenta. A banda parece que encontrou a medida certa, pelo menos nesse começo de carreira. Resta saber se isso será suficiente, e sa banda não se tornará um Motorhead da vida, que está há 450 anos fazendo a mesma coisa.

Riffs fortes (de Matthew Greywolf, guitarrista também do Flowing Tears); vocal equilibrado, uma temática que, feita da forma que é feita, torna a audição empolgante e divertida. Se tem nego de saco cheio de Power Metal, eu sugiro: Escute Catholic In the Morning, Satanist At Night, presente no Bible Of The Beast. Se você não fizer, ao menos, um "air drums", ou balançar a cadeira, desista e vá ouvir Nx Zero.

Se quiser conferir: Rapidshare